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Spectacle d’humour et de philosophie de Pierre Cleitman à Strasbourg

2012-01-15T04:41:00.000-08:00

Spectacle d’humour et de philosophie

2 Conférences extravagantes de

Pierre Cleitman

le 27 et 28 janvier 2012

Entre le One man show humoristique et la Conférence traditionnelle, Pierre Cleitman invente un nouveau genre: la Conférence extravagante, mélange irrésistible de réflexions ultra-sérieuses et de divagations ultra-délirantes.
Sans jamais se départir d'un flegme busterkeatonien, Pierre Cleitman nous livre dans un tourbillon de mots l'essence de ses cogitations, aux confins du réel et de l'absurde, du probable et de l'incertain, de l'arithmétique et du dérisoire.

Spectacle le 27 et 28 janvier 2012

tarif entrée : 5 €

2 conférences: 8 €

Réservations: 03 88 32 60 83 (laissez un message)

L’AMOUR PLATONIQUE DANS LES TRAINS – durée 1h

présenté le vendredi 27 janvier à 19 h

Des wagons où règne la troublante euphorie des « transports » en commun. Si propice, on le sait, aux confidences, aux effusions, aux abandons en tous genres. Pour canaliser d’éventuels débordements, les trajectoires se sont faites rigoureuses, courbes et droites dessinées de main de géomètre. Et les horaires implacables, semblent exclure a priori toute espèce de fantaisie.

Le voyage en train, symbole d'exactitude et de rigueur, offre heureusement le temps de rêver et de s'aimer avec la rencontre toujours possible de l'inconnu créateur, et éventuellement pro-créateur

L'ÉSOTÉRISME DU "22 à ASNIÈRES" - durée 1h

présenté le samedi 28 janvier à 17 h

Le chef d'oeuvre de Fernand Raynaud est bien plus qu'un simple sketch. Au delà d'une description étonnamment prémonitoire des effets de la délocalisation des réseaux télécoms sur le moral du consommateur, c'est un véritable conte philosophique à vocation universelle qui nous est proposé. Au terme d'une analyse pour le moins téméraire, Pierre Cleitman met en lumière le contenu symbolique insoupçonné d'un grand classique du rire français.

Heures d'ouvertures de la galerie : du mardi au samedi de 14 à 18 H et sur rendez-vous.
Adresse : 19 rue thiergarten, 67000 Strasbourg- Tél. :03 88 32 60 83.

Accès: à 3 min à pied de la gare de Strasbourg •
En tram lignes A/D arrêt Gare Centrale
Parking; TGV Wodli ou Sainte Aurélie

Foire d’art contemporain de Strasbourg St-art maintient le cap

2011-11-27T17:33:00.000-08:00

par Serge Hartmann, publié le 25/11/2011

CULTURE Foire d’art contemporain de Strasbourg St-art maintient le cap

Quelque 27 000 visiteurs sont attendus sur les stands de St-art. Photo DNA - Jean-Christophe Dorn

Dans un contexte économique peu engageant, la foire d’art contemporain de Strasbourg, qui ouvre ses portes aujourd’hui, parvient à préserver son plateau quand d’autres pronostiquaient un net recul.

C‘est un indicateur qui ne trompe pas. « Là où généralement des galeries s’engageaient de manière ferme et définitive à participer à la foire plusieurs mois à l’avance, la réponse ne nous parvient plus que dans la dernière ligne droite. On les sent bien plus prudentes », observe Philippe Meder, directeur de St-art.

« Ce n’est pas que l’intérêt pour l’art faiblisse aujourd’hui. Je le vois bien lors de mes expositions. Les visiteurs restent sensibles à la qualité des œuvres. Mais ils passent plus difficilement à l’acte d’achat. Je les comprends, avec toutes les informations anxiogènes dont nous sommes bombardés », réagit la galeriste strasbourgeoise Nicole Buck, qui a encore en mémoire la période faste de la fin des années 80, « quand les acheteurs se transformaient peu à peu en vrais collectionneurs ».

«Nous avons conservé les meilleures galeries»

Et que dire alors des galeries espagnoles et italiennes confrontées à des situations économiques autrement plus inquiétantes ? « La réaction n’est pas la même d’un pays à l’autre », remarque Patrick-Gilles Persin, directeur artistique de la foire. « Les Espagnols se démènent, cherchent à se montrer à l’étranger, prennent des risques financiers. C’est particulièrement le cas en Catalogne. Alors qu’au contraire les Italiens sont tétanisés, accrochés à leur rocher comme des bigorneaux. »

Ainsi verra-t-on huit galeries catalanes à St-art. Un chiffre cependant bien en dessous de celui de l’an dernier où l’Espagne caracolait en tête avec une vingtaine de galeries. «Mais nous avons conservé les meilleures », s’empresse d’affirmer Patrick-Gilles Persin. L’édition 2011, dont on pouvait craindre qu’elle affiche un recul, préserve toutefois ses positions.

« Pour nous, cette manifestation est un bébé auquel nous tenons énormément, notamment pour des raisons d’images », martèle Alain Weber, président de Strasbourg Événements, société organisatrice de St-art. Il en a suivi l’évolution avec attention depuis sa création et la considère, du haut de sa place de première foire d’art contemporain en région, comme « une pépite » – pépite dont le budget avoisine les 700.000 €.

Cet investissement se traduit par un plateau qui s’enrichit de quelques belles participations, à commencer par l’excellente galerie parisienne Jean Brolly (lire ci-dessous) et la galerie Bernard Jordan (Paris, Zurich, Berlin). Le galeriste strasbourgeois Yves Iffrig est en effet parvenu à les convaincre de participer à St-art – on lui doit aussi l’arrivée de l’éditeur Michael Woolworth au remarquable parcours professionnel. « Leur présence contribue faire monter le niveau de la foire», estime Yves Iffrig.

Recentrée sur « les fondamentaux de la foire que sont la vente et la rencontre entre des amateurs et des galeristes », affichant un habillage institutionnel plus light, St-art a rompu avec le cycle des capitales invitées (Budapest, Istanbul, Bucarest) dont la participation marchande s’était à chaque fois révélée décevante.

Mais elle revendique toujours son accessibilité, tant dans le domaine marchand que dans celui des esthétiques représentées. La fourchette des prix y oscille entre 1000 et 10.000 €. Avec l’une des propositions les moins chères (15 €) sur le stand de Georges-Michel Kahn qui flatte l’ego de l’acheteur en intégrant son photomaton dans des décors signés Ben, Jacques Bosser, Joël Duccoroy, Jérôme Mesnager ou Christophe Meyer. Œuvre d’art ou marketing ? Le débat reste ouvert.

Jusqu’au lundi 28 novembre au parc expo du Wacken. Tous les jours, de 11h à 20h ; 21h le vendredi, 19h le lundi. www.st-art.com

83

c’est le nombre de galeries participant à la 16 ^e édition de St-art, soit quatre de plus qu’en 2010. Elles sont majoritairement françaises (59) et l’Allemagne (5) demeure, au fil des ans, très sous-représenté

Ma part des Anges

2011-11-02T13:27:00.000-07:00

BONJOUR !!!!

Nous souhaiterions créer un petit événement dominical le dimanche 11 Décembre à 11H : concert de clôture Apéritif de votre exposition à la Galerie No Smoking, pour vos partenaires, invités et proches et les nôtres. Un « petit cadeau de Noel artistique » avant l’heure avec débat sur les anges.

Qu’en pensez-vous ????

Partagez l’info et venez nombreux !!!!

Récital-spectacle « Ma part des Anges »

Chant : Geneviève Charras, Piano : Christian Vidal

Avec des mélodies de Satie, Poulenc, Mozart, Chausson ou Franck, vous serez « aux anges » !!!!

Avec un petit zeste de chorégraphie !

Le Samedi 10 Décembre 18H

Dimanche 11 Décembre 11H : concert de clôture de l’exposition de La Biennale Internationale du verre 2011 « SiO²Nh²O Illuminations & Transitions »

Galerie « No Smoking »

19 rue Thiergarten -

STRASBOURG

Réservation : O3 88 25 74 96

Biennale du verre de strasbourg 2011 a No Smoking

2011-10-16T06:17:00.001-07:00

Kim Hyung-Jong est un artiste verrier contemporain qui brosse le portrait des problèmes de l'existence et de la fiction par le biais de scènes du quotidien. Il observe scrupuleusement et secrètement la vie dans nos métropoles contemporaines sans s'intégrer au paysage qu'il observe. Son regard est extérieur, il se positionne comme un visiteur ou un voyageur.
Son œuvre peut être perçue comme une forme de poésie métaphorique plutôt que comme une histoire à la narration bien délimitée et linéaire. Littéralement capturé dans le verre, le corps vide suggère le vide et la solitude de notre époque. Son ombre transparente dans son cadre carré est un sinistre autoportrait de l'homme moderne.

Son travail sur le verre engendre une image virtuelle, flottante. Une ombre de sa mémoire. La réalité n'existe pas dans son oeuvre et ne subsiste qu'autour d'elle. Il aborde le concept de dualité, de yin et de yang à travers un chevauchement d'images, des bribes de souvenirs et le paradoxe visuel de lumière et transparence. Les illusions créées par de splendides images urbaines ne sont qu'un mirage.
Les formes sont coupées à l'aide d'une technique de "water jet" (littéralement, de jet d'eau) et composent un assemblage de verre, de vide et de lumière. Certaines fois son travail se limite à un visage vu de

profil ou à la forme voûtée d'une silhouette solitaire. D'autres fois ce sont des montages plus complexes reposant sur une imagerie à part entière où le vide et l'ombre décrivent diverses scènes banales telle qu'un portrait de famille (brisée?), des êtres assis côte-à-côte mais clairement déconnectés les uns des autres.
L'anonymat créé par Kim Hyung-Jong est un miroir reflétant aussi bien l'époque que l'individu.

Fini de jouer la presse...

2011-10-15T06:47:00.001-07:00

le 15/10/2011 02:01

strasbourg / Chez No Smoking

Fini de jouer !

La création comme un jeu ? Anémone de Blicquy et Gérarld Wagner en sifflent la fin de partie pour une épiphanie de l’image traversée par le thème de la fragilité de la vie mais aussi de son irremplaçable beauté.

Ce n’est pas la vie, mais son simulacre. Des animaux empaillés qu’elle est allée photographier dans les réserves du musée zoologique de Strasbourg, Anémone de Blicquy fait des icônes belles et tristes qui se liraient comme des Vanités un peu étranges.

On y retrouve le chatoiement coloré des oiseaux, l’élégance figée d’un daim ou d’une biche. Mais à chaque fois, le sujet s’inscrit dans des mises en scène inattendues, apparaissant à travers une bâche transparente qui rappellerait le linceul ou la house mortuaire.

Anémone de Blicquy se défend de toute tentation d’explorer le morbide et, en effet, cette « inquiétante étrangeté » tisserait davantage des liens en direction d’un imaginaire de contes de fées.

« Ce qui m’intéresse, c’est cette ambiguïté entre l’horreur et le merveilleux », dit-elle. Une autre série Les Extraterrestres sont des connards chemine ainsi sur des notions assez proches – le masque, l’étouffement, l’inattendu…

De Gérald Wagner, on a déjà eu l’occasion dans ces colonnes d’exprimer toute l’admiration pour un travail qui interroge toujours d’une façon singulière notre rapport à l’image, à l’art, à la peinture, à un lieu…

Une variété de pistes exprimées dans la finesse et une élégante ironie pourtant traversée d’une belle gravité. Sur du papier aquarelle tendu sur un mini-châssis, Gérald Wagner revisite par la simple perforation d’une aiguille, des icônes banales de notre société bombardée d’images. De ces archétypes résultent de petits tableaux qui tiennent, de par leur jouissance intime, d’un cabinet de curiosités postmoderne. Qui nous murmure à l’oreille : « Encore envie de jouer ? »

S.H.

Jusqu’au 5 novembre, chez No Smoking, 19 rue Thiergarten. Du mercredi au samedi, de 14 h à 18 h.

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Paru dans les AFFICHES MONITEUR par ONDINE

FINI DE JOUER !

Gérald Wagner et Anémone de Blicquy à la galerie No Smoking

Il était une fois, une forêt d’images…

Il était une fois, des symboles et des corps…

Il était une fois, un désir d’être…

Mais…Quelle réalité dans tout ça ?!

…Allons… « Fini de jouer ! ».

« Fini de jouer ! » est le titre choisi pour l’exposition proposée en ce moment à la galerie No Smoking réunissant les artistes Anémone de Blicquy et Gérald Wagner.

L’un en développant par le biais d’un papier de 300 grammes d’épaisseur, une recherche sur le vide et la lumière, et la seconde explorant la mise en scène de l’image en photographie et par des créations de vidéos-poèmes, tous deux content la même histoire : la métamorphose de notre société contemporaine en perte de repères.

A la lisière de l’horreur et du merveilleux, du symbole rattaché jusque-là à une valeur sociale et redevenu simple image à laquelle on a rendu la beauté originelle, la vie, sous toutes ses formes, qu'il s'agisse d'objets créés par l'homme, d'animaux, vivants ou morts, tout ce qui existe, est vu, à nouveau, à la naissance du premier regard.

Ce regard devant l'objet quotidien est comparable à une décision philosophique, une prise de position devant un monde dé-spiritualisé.

Pour Gérald Wagner, il s'est agi de dématérialiser l'image, l'image représentant des symboles de notre société assoiffée de pouvoir et d'argent, comme le dollar, la couronne, ou de reprendre des objets traditionnellement représentés à travers la thématique des vanités dans l'Histoire de l'Art comme les instruments scientifiques, (lunettes astrales, globes, crânes etc...) ou encore des animaux symbolisant le caractère éphémère de notre vie sur terre comme le sphinx à tête de mort (papillon de nuit portant le dessin d'un crâne sur son abdomen).

Ces images remises au monde sur la table rase du plasticien, paraissent comme inversées, les négatifs neutres ou les négations des symboles vides tels que la société les avait métamorphosés; car G. Wagner ne les dessine pas, ne les recopie pas, il use d'un patron et pique comme s'il les brodait, mais à la force de coups de poinçons, les points constellés par les lignes d'un dessin invisible, la nouvelle image que la lumière laissera deviner.

Ces images nées une seconde fois de leur vide, vidées de leurs significations éteintes ou mortes, noyées dans notre société faiseuse d'images, sortent de leur absence, et mettent au monde un nouveau sens, se détachant en se retirant de la matière, rompant ainsi avec la matérialité puisque le dessin est éliminé, peut-être purifié par le vide, créant une ouverture se frayant dans le papier, un passage pour la vie et la lumière.

Y-a-t-il une signification chrétienne à voir dans ce chemin épineux où la douleur suggérée du papier percé de trous rappellerait celle de la peau d'un corps christique symbolique mise à l'épreuve pour atteindre à la lumière ?

Il y a en tout cas, un désir sensible de retrouver les valeurs simples, la nostalgie d'un regard poétique ou spirituel sur le monde.

Nouvelles icônes, ces petits formats encadrés de noir dont on a retiré ce qui limitait l'image, sa ligne dessinée, s'élèvent, hors des lignes et frontières mentales du monde, vers une sphère céleste atemporelle, universelle.

Les images se sont laissées profaner pour laisser voir un invisible, une signification dansante, une élégance loin de la pesanteur à laquelle on les avait associées jusqu'à présent.

D'autres images, plus grandes (100/130 cm), sont enroulées sur elles-mêmes comme des papyrus et tournoient, immobiles, avec élégance dans la lumière : squelette, arbre mort, ou système nerveux du corps humain.

Les photographies couleur d'Anémone de Blicquy, quant à elles, redonnent vie aux corps entreposés des animaux des réserves du musée zoologique de Strasbourg.

Visibles par transparence à travers les sacs où on les garde enfermés, les animaux retrouvent des expression d'animaux en fuite dont on a soudain arrêté la course, ils sont habillés comme des princes, vêtus de linceuls sales, de lumières tristes...Ils semblent tantôt sortis d'un conte de fée ou tirés hors d'une histoire d'horreur.

Ces atmosphères fantastiques que dégagent ces images de mort, nous glacent le sang comme ils nous ravissent_ils créent le chemin de la vie à la mort pour l'inverser à nouveau, encore et encore...

La transparence des sacs de conservation des animaux du musée, les perforations du papier laissant passer la lumière, tendent le même miroir, devant le même constat d'un monde en crise où pourtant, l'on ne cesse de continuer à jouer.

Quelles seront les valeurs de demain ? Où en sommes-nous de notre rapport à Dieu ? Donc aux hommes, à la terre...?

Alors, on joue encore ?!

L'illusion et la fuite en avant se marièrent et firent ensemble beaucoup d'images.

Fin ?

Ondine

(« Fini de jouer ! » à la galerie No Smoking, 19, rue Thiergarten à Strabourg jusqu'au 5 novembre 2011)

Patrick Bailly-Maître-Grand à la Filature à Mulhouse. (-)

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MULHOUSE BMG et Demaison

Jusqu’au 18 décembre. Incursion mulhousienne des photographes Strasbourgeois Patrick Bailly-Maître-Grand et Laurence Demaison qui exposent, pour la première fois ensemble, leurs travaux récents ou anciens à la Filature. En écho, une installation vidéo de Robert Cahen, L’Eau qui tombe. À la Filature, du mardi au samedi, 11h à 18h30 ; dimanche, 14h à 18h.

STRASBOURG Avec Central Vapeur

Jusqu’au 30 octobre. Collectif engagé dans une vision dynamique de l’illustration, Central Vapeur organise un Salon des Indépendants. Rencontres avec des éditeurs et des illustrateurs belges et français. Démonstrations d’ateliers de gravure ou de sérigraphie. Invitation est faite à venir avec ses fanzines ! Au Hall des Chars, 10 rue du Hohwald. De 14h à 0h30, samedi 28, et de 14h à 19h, dimanche 29. www.halldeschars.eu

Anémone et Gérald

Jusqu’au 5 novembre. Anémone de Blicquy avec ses photographies et Gérald Wagner avec ses papiers d’aquarelle perforés à l’aiguille nous invitent à une épiphanie de l’image. Chez No Smoking, 19 rue Thiergarten. Du mercredi au samedi, de 14h à 19h.

L’Europe des esprits

Jusqu’’au 12 février. Exposition qui fait événement : en 500 œuvres étalées de 1750 à 1950, un panorama d’une Europe fascinée par l’occulte. Au MAMCS. Billet valable pour deux visites successives. www.musees.strasbourg.eu

la presse de Ralf Weber et Elise Barat

2011-09-23T12:35:00.000-07:00

Ralf Weber qui expose dans les grands salons internationaux, présente à la galerie No Smoking une sélection de formes énigmatiques, tandis que la jeune artiste Elise Barat y représente la nature dans son aspect insaisissable.

Entre les « Short-cuts » du sculpteur et les « Paysages d’eau » d’Elise Barat se réalise le désir de maîtriser la pierre pour l’un, d’apprivoiser l’eau mouvante pour l’autre.

Par le fer et le granit noir de Suède, Ralf Weber né à Freiburg en 1972, s’emploie à dégager la forme en gommant son aspect statique.

Il l’attaque au diamant, la troue, la dresse en spirale, la transforme en dentelle, en hélice verticale, en lune noire. Parfois « Implosion », « Network », opposent la surface polie à celle qu’il a striée, burinée à la force du poignet. Il fait onduler quatre plaques de marbre de Carrare, comme feuilles au vent, et des rondeurs rappellent les formes de l’Antique. Avec un matériau plus modeste, la brique, il compose des pièces ovoïdes qui pourraient inspirer des architectes.

Formée aux Arts Plastiques à l’Université de Strasbourg, Elise Barat est une paysagiste sensible qui réside en Franche-Comté.

D’une touche nerveuse, à l’huile, elle capte les vagues tourmentées, les remous en eau-douce, les ricochets qui attestent qu’un petit palmipède a plongé là. Dynamisant le sujet, les reflets inversent l’image entre deux piles rouges.

En blanc, gris vert et bleu, elle cherche à « faire voler le réel » en éclaboussures ayant saisi l’instant où la fraîcheur d’une nature presque vierge, offre un plaisir délicat.

Fluidité de l’eau, fluidité des formes, les « raccourcis » de Weber sont des œuvres fortes avec lesquelles des paysages aquatiques d’Elise Barat s’accordent bien.

Julie CARPENTIER

Galerie No Smoking, 19 rue Thiergarten à Strasbourg, du mercredi au samedi de 15 à 19h et tous les matins sur rendez-vous, jusqu’au 30 septembre 2011. 0388326083 ou contact@galerie-nosmoking.com

Elise Barat (Paysages d'eau) et Ralf Weber (Shortcuts).

2011-08-09T08:33:00.000-07:00

Bertrand Rhinn a le plaisir de vous inviter

au vernissage vendredi 9 septembre 2011 à 18H

de l'exposition de

Elise Barat (Paysages d'eau) et Ralf Weber (Shortcuts).

Le travail d'Elise Barat s’articule autour de la nature et des effets de diffractions du réel causés par la lumière et les reflets sur l’eau.

Elle présente pour cette exposition des toiles issues des Paysages d'eau, toiles par le biais desquelles elle représente la nature dans son aspect insaisissable; une nature paisible et en constante mouvance. Pour ce faire, elle se concentre sur les reflets du réel dans l’eau, cherchant à « faire voler en éclat le réel ».

« L’eau est la source de son art », le motif est harmonieux, on a cette impression d'éphémère, d'atemporel. La touche est presque pointilliste, nerveuse, rapide, elle travaille l’immatériel et capture le réel de façon fragmentée, par le reflet. Néanmoins, les toiles ne sont pas pour autant dénuées de présence humaine. L’animal n’est jamais loin, la trainée laissée par le passage d'un oiseau perturbe la sérénité de l'eau créant des ondulations sur la surface, et apporte de ce fait un effet dynamique à la toile. Ses Paysages d'eau sont des tableaux miroirs d'un monde en mouvement par le biais desquels l'artiste nous interpelle, en perturbant nos repères de manière si délicate.

Il s’agit de fuir la réalité, de la voir autrement, de façon mélancolique et sereine, de traiter des « résurgences de la mélancolie en peinture ».

Pour cette exposition, Ralf Weber présente les œuvres sculptées de la série « Short Cuts » (raccourci en anglais), réalisées entre 2004 et 2009, qui sont conçues majoritairement à partir de blocs de granit dans lesquels il coupe de profonds sillons de surface. Le spectateur est confronté à ces formes énigmatiques à l'aspect antique qui dégagent de l'élégance, la main est comme attirée vers elles, dans l'optique d'appréhender cette matière fondamentalement tactile.

Il travaille sur ce qu'il appelle la « structure de surface », son répertoire de forme est varié, ce sont des formes synthétiques, dérivées des formes de bases, du cercle, du carré...À l'origine de la conception de l'œuvre, c'est en les retravaillant que Ralf Weber donne naissance à ces formes étranges, tantôt biomorphiques, tantôt à l'apparence plus rude.

Le sculpteur travaille la matière, joue avec la transparence, créant à certains moments des ouvertures par des explosions de matière. La lumière est un élément important, elle se reflète sur les surfaces d'aspect poli et passe à travers ces ouvertures chaotiques. Weber crée ainsi un dialogue entre ces divers éléments, entre les surfaces lisses et rugueuses, dialogue dans lequel on discerne une certaine tension inhérente à l'œuvre. Malgré leur aspect brusque et presque cassant, ses sculptures évoquent la légèreté, le mouvement, la fluidité alors que le matériau même de la pierre ou du granit se place aux antipodes de cela.

Les « raccourcis » de Weber sont finalement des œuvres énergiques et délicates, emplies d'une émotion singulière.

FINI DE JOUER! expo d'octobre avec Gérald Wagner et Anémone de Blicquy

2011-08-09T08:25:00.000-07:00

Fini de jouer.

C’est à un cheminement dans l’antichambre du réel que nous invite Anémone de Blicquy. Auteur et comédienne, c’est aujourd’hui par le biais de la photographie et de la vidéo qu’elle récolte les fruits étranges issus des amours controversés entre réalité et fiction.

Attachée au réel, elle prend pour décor les éléments naturels fondamentaux que sont eau, air, terre et feu. Dans ces territoires concrets, elle met en scène les personnages muets de tragédies quotidiennes mais dont semble émerger une portée universelle. Cette universalité qu‘elle déniche au creux du banal est sans doute issue des abysses du subconscient. Des objets,des êtres ou encore des signes nous rassurent en même temps qu’ils nous épouvantent, comme ceux rencontrés dans les contes de notre enfance.

Jean Clair parlait du « don de visions » comme étant la principale caractéristique de la mélancolie. Ces visions mélancoliques, Anémone de Blicquy les capturent entre deux eaux, entre cornée et cristallin. Elle surprend ses personnages plongés dans un demi sommeil pour les extirper de leur rêve ou de leur cauchemar. Dissimulés derrières leur masque ou le visage couvert d'un vulgaire sac de plastique, ces individus ne semblent pas voir la réalité qu'ils arpentent, qu'ils subissent. Hésitant entre l'innocence et l'expérience, ils doivent se contenter de happer quelques bouffées d'un air vicié sans jamais pouvoir reprendre leur souffle, leur désir, leur vie.

Comme des poissons abasourdis par le choc des contraires, ces individus flottent à la surface du réel sans pouvoir y plonger. Pourtant les sollicitations sont multiples. La caresse de algues, la force du courant, le craquement du givre, les ombres, les scintillements s'adressent à eux sans pouvoir les ré enchanter. Vidés de leur force créatrice, de leur imagination et de leur intuition, ils voient s'ouvrir devant eux de vastes espaces dans lesquels ils sont incapables de se projeter. S'écoulent alors à leurs abords, les signes du temps. Incapable de les déchiffrer, l'individu plonge dans un coma des sens.

«Ceux qui répriment leur désir sont ceux dont le désir est assez faible pour être réprimé.» William Blake.

Le voyage de la peinture

2011-06-18T01:58:00.000-07:00

le 18/06/2011 02:01

STRASBOURG / Eric Bleicher chez No Smoking

Le voyage de la peinture

Il vit à Colmar mais n’expose que très rarement dans la région, préférant les grandes métropoles (New York, Pékin, Paris, Bruxelles…). On avait cependant pu remarquer sa présence à la dernière édition de St’art où son marchand belge lui consacrait un one-man-show. Eric Bleicher avait alors pour voisin Bertrand Rhinn et sa galerie No Smoking.

Les voilà donc réunis pour Vers le sublime (rien de moins !), panorama d’œuvres récentes. Garantir au visiteur ne serait-ce qu’une petite approche du sublime en question, paraîtrait très exagéré.

Mais il y a dans la peinture d’Eric Bleicher, avec ses effets de profondeur produits par une succession vertigineuse de glacis (jusqu’à 14 couches), de quoi capter l’attention.

Réalisés sur des écrans de sérigraphie, au rendu translucide mais à la surface tout en tension, ses tableaux troublent le regard. Et si la matière de la peinture intrigue par son aspect inhabituel, c’est qu’elle est constituée de feuilles de henné qu’il laisse abondamment macérer (ainsi obtient-il ses tons orangés ou bleus d’une belle profondeur), de brou de noix et d’encres.

Ses « jus », qu’il charge abondamment en eau puis laisse sécher, produisent des irisations, des effets de transparence, d’étranges géographies que ponctuent également, çà et là, des signes, des codes, des écritures que l’artiste se refuse d’interpréter. « J’aime me surprendre. Me laisser entraîner par la matière, tracer de fausses pistes », explique-t-il simplement, mais à l’écoute des commentaires que ses toiles provoquent.

Nul besoin, donc, d’aller chercher plus loin. C’est à la fois la limite et la force de son travail : ouvrir un espace, celui de la peinture, ici très (trop ?) séduisante, dans lequel le regard se perd. Voyage effectivement.

S.H.

Jusqu’au 8 juillet, 19 rue Thiergarten. Du mardi au samedi, de 14 h à 18 h.

no smoking models

2011-06-17T06:02:00.000-07:00

En juin avec Eric Bleicher

2011-06-03T08:53:00.000-07:00

Bertrand Rhinn a le plaisir de vous inviter au vernissage vendredi 10 juin 2011 à 18H de l'exposition Vers le Sublime de Eric Bleicher.

Les Œuvres d'Eric Bleicher participent d'un engouement pour leurs qualités formelles et le travail de la "matière" et du "signe" .. C'est dans cette optique de recherche du sublime et cette envie de s'imprégner de matières à l'essence primitive que cet artiste vient nous présenter ses dernières œuvres abstraites.
Eric Bleicher n'est pas peintre mais avant tout plasticien. Né en 1972 à Colmar, il expose depuis une vingtaine d'années. Artiste Globe Trotter il a déjà exposé aux quatre coins du monde, à New York, Pekin, Zurich, Bruxelles, Paris...

Toujours à la recherche de la texture exacte, il crée des œuvres mystérieuses imprégnées d'archaïsme, ses peintures ne sont pas de simples toiles, ce sont des invitations au voyage!

Sa technique est singulière, des écrans de sérigraphie toilés lui servent de supports. Il superpose ensuite sa matière en couche multiples, qu'il déverse sur la toile, ce sont des "jus", autrement dit des « couches » de matériau naturel. Ceux ci sont obtenus à partir de mélanges de pigments naturels, d'oxydation de hennés et de jus de fleurs d'hibiscus, de teintes naturelles tels, la gomme arabique, le marc de café, le brou de noix, patines et cires...

Bleicher se réapproprie la surface de la toile, retravaillant cette matière à même la main, dans cette optique de donner à la peinture cette dimension tactile et de créer ainsi des effets de matières. La volonté intrinsèque de l'artiste étant de revenir vers un traitement de la couleur sans artifices. La palette chromatique est restreinte, dans des gammes d'ocres, de jaunes, de rouges, à la limite de l'abstraction, il y insère des motifs tribaux, organiques, ses toiles sont énigmatiques, renferment un sens caché, à l'amateur éclairé de le déceler...

nouvel article dans les affiches Monieurs par Ondine

2011-05-26T08:57:00.000-07:00

Memento Mori du XXIème siècle ou vanités contemporaines.

par Aurélie-Ondine Menninger dans les Affiches-Moniteur, mai 2011

La galerie No Smoking est devenue et sera jusqu’au 4 juin, le temple de la mort, un lieu de contemplation, ou de jubilation, dont émane, de la fête mortuaire au sanctuaire, une poésie du désir et de l’excès, où la laideur de la mort est aussi beauté dernière, ultime jouissance des corps….Ainsi, le lieu de cette rencontre est bien ce « POINT » selon l’intitulé de l’exposition où s’unissent les œuvres cousines des artistes Laure André et Hervé Bohnert ;
point de croix déterminant un lieu à la croisée des chemins, croix religieuse ou coïncidence heureuse, point de fuite, ou temps de la métamorphose, il propose une réinterprétation du point d’ancrage de la vie et notre perception du passage.

Il s’agit bien de vanités, dont les formes de représentation ont évolué depuis les natures mortes du XVIIème siècle, entrelaçant les symbolismes, superposant les formes rituelles religieuses et profanes européennes et plus lointaines de différentes époques.
Ainsi, à la signification première des vanités, « catégorie particulière de nature morte, dont la composition allégorique suggère que l’existence terrestre est vide, vaine, la vie humaine précaire et de peu d’importance », se trament de nouvelles perceptions et sensibilités au temps et au monde.
La subversion moderne et profane du temps ayant par le biais de l’arrivée de nouvelles inventions, (l’évolution informatique et mécanique) bouleversé notre relation à la mort, ont sans doute déplacé notre besoin de sacré sans pour autant le faire disparaître.
Il s’est agi ici d’une quête à redéfinir, dans un espace libre à mi-chemin entre le sacré et le profane : un espace poétique.

Mises en scène de crânes « totémiques » inspirées des crânes décorés des rituels funéraires océaniens, successions de portraits ou de photographies de familles datant du XIXème siècle dont la pellicule grattée révèle à sa façon la mort qui hantait déjà les corps glacés du papier, ou que la peinture jetée a recouverte afin de la ranimer, (redonnant vie à la vieille photographie et révélant une seconde fois, non la vie mais la mort, ou le moment de la mort comme une violence faite à la vie), napperons amidonnés prenant les formes de crânes, s’osselets, s’organisant ou présentés sous la forme de « dons d’organes » ou de « memento mori », ou de tapisseries représentant une danse macabre entre humour noir et réminiscence de westerns, (la mort menaçant la mort d’un révolver ou deux squelettes jouant à s’entretuer sur fond de fleurs brodées), tel est l’univers de Hervé Bohnert, toujours centré sur l’obsession du corps et de sa disparition, et travaillant principalement sur le mode de la répétition et de la série, (travail antérieur à l’exposition sur des moulages en cire de visages, de bustes et bustes avec cœurs momifiés, de sexes féminins…) ;
Ou encore, comme Laure André, sur cette corde sensible, ce fil fragile de la vie prêt à se rompre, la dentelle mimant la métaphore, et le point de traversée de l’aiguille, le lieu de rencontre d’Eros et Thanatos.

Se passionnant pour les objets précieux, anciens ou rares, le plus souvent à connotation religieuse, Laure André les réinvente, redonnant un sens sacré ou poétique au corps caché, où les symboles du corps (corps et sang du Christ) côtoient l’image médicale du corps (squelette humain, sexe féminin…), où l’artistique se superpose ou s’interpose à une vision scientifique (l’aiguille de son travail rappelant l’aiguille de la grand-mère comme celle des boîtes d’entomologistes)ou religieuse.
Ainsi, l’artiste crée ses exvotos, piquant les hosties de dessins brodés, faisant des médaillons d’hymens (à partir de ceux répertoriés dans une encyclopédie médicale) révélant leur caractère de bijoux uniques (en médaillon ou en poudrier), nommant « ectropion », cet instrument ancien dit « relève-jupe », visuellement proche d’un instrument de musique, le munissant d’un œil et d’une jolie rangéede cils faisant allusion aux curieux indiscrets…

Accessoires féminins à la lisière de la féminité et d’une signification poétique ou sacrée, ils sont les fétiches de l’artiste, ses sujets d’inspiration comme pour cette robe de communiante suspendue et amidonnée, auréolée de lumière, habitée de minuscules personnages imprimés représentant les différents stades de l’hystérie, et faisant allusion au sujet de Charcot, Blanche W.: muse, patiente, sujet de désir et de fascination, assimilée aussi bien à la sainte qu’à la prostituée…
Plus encore, c’est une nouvelle « étiquette » ou identité, un nom ou une mémoire (« suture 45 » faisant allusion au massacre d’Oradour), que Laure André cherche à octroyer ou à rendre, à réinventer aux objets ou à la vie, aux possibilités de vie qu’ils contiennent…

Fils ou relations entre des vies parallèles, L. André crée des chemins de fils du monde charnel au spirituel, renoue le cordon ombilical symbolique au fil de ses pensées, dans un entrelacement sensible et sensuel_ fil d’Ariane menant à soi, dessinant au détour des croisements, des points de rencontre avec son corps, son nom, et dessinant au fil du hasard et du temps, un autoportrait.

De l’utilisation d’une radio de son propre squelette auquel elle superpose de la dentelle imprimée au découpage auréolé ou dentelé du plan d’un monastère depuis son cœur, (dentelle ou squelette de l’architecture d’« une Laure », autrement dit, « un monastère »)jusqu’à ses vibrations les plus éteintes, aux limites de son corps architectural, à l’œuvre de son propre corps, dont la nuque dégagée laisse deviner le dessin de sa colonne vertébrale comme en prolongement de sa quête d’artiste, apparaît une image de soi, et par-delà, : une autre façon d’apprivoiser la mort.

LA HB

Jusqu’au squelette de dentelle réalisé par les deux artistes ensemble, les objets réunis, de leur existence et leur signification indépendante, créent entre eux, des chocs, des interactions, des points de rencontre dans le temps sur la matière.
Ensemble, ils interrogent le passé, la mémoire (individuelle ou collective), notre rapport au temps et à la mort, au corps et au spirituel et à leur caractère désindividualisé par le social et le religieux.
Ensemble, ils renouent avec la tradition des « vanités » et tout en les réinventant, continuent à évoquer au moins deux parmi les trois groupes de vanités répertoriés par Ingvar Bergström, représentant la vanité des biens terrestres, ou évoquant le caractère transitoire de la vie humaine.

Points de fusion de Eros et de Thanatos, points d’entrée dans le monde, points de couture ou de suture, points de passage, de la traversée érotique au pèlerinage spirituel, points de transition entre la vie sur terre et le moment où elle s’arrête, les œuvres des artistes Laure André et Hervé Bohnert, nouent des fils secrets entre les mondes et les époques, dans une subversion matérialisée de l’intervalle ou de l’entre-deux, inversant le passage de la vie à la mort par un renversement et une transgression des codes artistiques ou religieux.

Dans le silence des broderies, où danse un souffle léger, des idées noires dansent sur du fil blanc, des mailles comme des phrases, écrivent, (à lire entre les fils) :« memento mori » : « souviens-toi que tu mourras ».

Souvenirs de la maison des morts

2011-05-21T00:53:00.000-07:00

STRASBOURG / A la galerie No Smoking

Hervé Bohnert et Laure André fragmentent le corps, convoquent un univers désuet fait de napperons, broderies ou porcelaines, et revisitent la Vanité de façon drôle et inquiétante.
Ce n’est pas une exposition à quatre mains, mais ils ont tout de même réalisé pour l’occasion une pièce commune : suspendu dans une vitrine, un squelette, à l’échelle réelle, expose sa blancheur immaculée. Quelque chose intrigue… En s’approchant, le visiteur remarque que les os sont en napperons. Un solide amidonnage leur permet de conserver les formes imprimées par les artistes.
Les fidèles de No Smoking se rappellent certainement l’exposition consacrée, l’automne dernier, au thème des Sept Péchés Capitaux. Le Strasbourgeois Hervé Bohnert y attirait déjà l’attention par une série de crânes réalisés selon la même technique de napperons amidonnés.
On y retrouvait cet univers qui caractérise de longue date son travail : une façon de se confronter à des formes établies de l’histoire de l’art, mais en se les réappropriant dans des matériaux inattendus. Un travail qui exprime aussi une certaine sensibilité pour les arts et traditions populaires, pour les objets patinés par le temps, les photographies anciennes, les encyclopédies poussiéreuses, tout un corpus un peu vieillot, souvent déniché aux Puces, et auquel il donne une nouvelle identité.
Ainsi présente-t-il, un buste de pédagogie anatomique, avec ses organes à placer dans les cavités ad hoc, le tout entièrement réalisé en napperons.
Par ailleurs, Hervé Bohnert sculpte (des crânes en bois qu’il est difficile de ne pas prendre pour des vrais) et assemble des éléments dont les associations produisent d’étranges images primitives : des fleurs, des éléments de lustre, des becs d’oiseaux… Surgissent ainsi des divinités primitives improbables.
Dans ce rapport au temps, dans cette mélancolie rêveuse que fonde Hervé Bohnert au hasard de fragments venus d’un lointain passé, Laure André apparaît comme une petite sœur d’adoption.
Cette approche intime de l’objet, cette façon d’intervenir avec une certaine préciosité sur des supports ayant déjà leur propre histoire ou leur propre symbolique, cette mélancolie de la mémoire : la jeune artiste strasbourgeoise tisse effectivement d’étranges liens avec l’univers d’Hervé Bohnert.
Qu’elle brode délicatement des hymens sur des hosties, qu’elle grave la radiographie d’un thorax devenu ainsi un motif de fines dentelles ou encore qu’elle évoque sur une ancienne robe de communiante les hystériques de Charcot, d’insondables mystères et tensions liés au corps de la femme sous-tendent son imaginaire.
Tout comme pour Hervé Bohnert, le temps demeure une obsession absolue pour Laure. Et donne lieu à une poésie un peu triste d’un passé enfoui qui ressurgit dans des formes familières : de vieilles étiquettes retrouvent, avec la porcelaine, un matériau plus noble.
De lointaines blessures sont suggérées avec ces images issues de documents liés au drame d’Oradour-sur-Glane, dont le graphisme est constitué de fils noirs tissés sur une pellicule transparente et qui s’effilochent – « Comme la mémoire », précise l’artiste.
La fragilité et la délicatesse des techniques font contrastes avec le propos qui parfois frôle l’inquiétant. Ainsi en est-il des malformations de nourrissons dont elle puise les représentations dans d’anciennes encyclopédies et qu’elle reproduit en fines broderies sur organdi.
Dans un accrochage qui tangue par moments du côté du Cabinet de curiosités, l’exposition invite à une déambulation irréelle que traverse le goût amer de la finitude humaine.

Serge Hartmann

Jusqu’au 4 juin, chez No Smoking, 19 rue Thiergarten. Du mardi au samedi, de 14 h à 18 h. 03 88 32 60 83.

2011-04-11T10:10:00.000-07:00

POINT avec Hervé Bohnert et Laure André

2011-04-03T12:38:00.000-07:00

L'exposition PO!NT s'attèle à dénicher le point de convergence entre les univers de Laure André et d'Hervé Bohnert, des univers énigmatiques dans lesquels se côtoient la mort et la vie, bibelots et articles à connotation religieuse. Tous deux travaillent des thèmes relevant de la beauté, de la jeunesse éternelle, de la mémoire et de la mort, toujours présente. Leurs œuvres sont très personnelles et d'une sensibilité forte.
Ils donnent à voir une autre image du corps, et interrogent le statut de l'objet. Celui ci est transformé, son essence même est détournée, renouvelée par le biais de l'imaginaire, de ces aventures étranges aux tonalités funèbres. Ce sont des œuvres dans lesquelles la vie flirte avec la mort et vis-versa.

Hervé Bohnert est un artiste glaneur, il se réapproprie des photos anciennes et des sculptures à forte connotation religieuse et les transforme en œuvres profanes et singulières dans lesquelles s'opère un dialogue angoissant entre la vie et la mort.
D'une main précise et chirurgicale il pratique une « squelettisation » obsessionnelle d'images anodines et anonymes, grattant les photos et creusant des sculptures pour en faire ressortir le squelette. L'artiste se questionne sur la mort, lui fait un pied-de-nez à travers ses Vanités. Ses œuvres sont évidemment macabres, mais lorsque l'on va au delà de cette apparence, l'esprit est moqueur, grinçant, les corps inquiétants, la beauté mise à mal.

L'univers de Laure André est intime, féminin, d'une sensibilité effrayante. L'intuition artistique est morbide mais délicate, c'est un univers qui mêle mélancolie et gothique.
L'artiste confronte des objets aux connotations diverses, sexuelles, religieuses qu'elle tourne en dérision, créant ainsi ce qui pourrait être qualifié de reliques intimes et féminines. C'est un univers issu des contes dans leur coté délicatement terrifiant dans lequel elle se questionne sur la vie, la mort, l'amour. Elle travaille avec des objets féminins ou à connotation religieuse comme les osties, la dentelle, le squelette, le crucifix,...

Pour l'exposition PO!NT ils présentent un travail commun, réalisé à partir de napperons anciens...leur point de convergence ne serait il pas également un point de croix ?

exposition Osterputz

2011-02-18T14:10:00.001-08:00

Curieux Decque

2011-02-12T01:25:00.000-08:00

STRASBOURG

De machines utopiques, dignes d'un Jules Verne, Benoît Decque expose les plans chez No Smoking. Ces prototypes délirants proposent à d'intrépides passagers de partir à la découverte des éléments : invoquant les figures d'Icare pour l'air, de Vulcain pour le feu, du dauphin pour l'eau et de Gaïa pour la terre, l'artiste prend soin de coder ses informations en se réappropriant l'alphabet grec - étrangement compréhensible puisqu'ici phonétiquement appliqué au français !
A voir aussi, des petites pièces posées au sol, un bric-à-brac de Curiosités ayant chacune son histoire. Parfois teintée d'humour : ainsi en est-il d'un fragment de roche ramenée de la montagne Sainte-Victoire, on le sait abondamment immortalisée par Cézanne. De quoi, selon l'artiste strasbourgeois, interférer sur la lecture de chefs-d'œuvre de la peinture, dont le modèle initial a désormais été irrémédiablement modifié de sa propre main. Vanitas vanitatum, omnia vanitas...

S.H.

http://sitemap.dna.fr/articles/201102/13/curieux-decque,culture-et-loisirs,000006322.php

Exposition de Benoit Decque

2011-01-21T10:08:00.000-08:00

«Parallèlement à une production multiforme bien repérée (installations urbaines ou paysagères, dessins grands formats, performances publiques…)
Benoît DECQUE poursuit depuis 1990 un travail de création de pièces de petites dimensions qu’il se plait à qualifier de curiosités.
Aujourd’hui, il décide de présenter au public un ensemble de cette «collection» sous forme d’un «grand parterre» recomposé pour l’occasion…»
Vernissage le vendredi 04 février 2011 à 18h.
Avec une performance de l’artiste.
Exposition ouvert du mardi au samedi de 14 à 18h.

St'art / La foire d'art contemporain

2010-11-26T13:16:00.000-08:00

le 26/11/2010 05:12

St'art / La foire d'art contemporain

Affinités catalanes

Bien que Bucarest en soit l'officielle ville invitée, St'art tangue davantage, et avec bien plus d'allant, du côté de Barcelone. Et la qualité s'y révèle très élastique.

Il y a bien sûr l'espace institutionnel occupé par Apollonia. Toutes les propositions n'y sont pas franchement contemporaines, mais la partie consacrée à la photographie roumaine actuelle n'est pas dépourvue d'intérêt, et offre probablement la fenêtre la plus vivante sur la scène artistique dans ce coin d'Europe orientale. En revanche, les trois galeries de Bucarest sont loin de créer l'événement. On sauvera D'Ancona Budis Art Gallery, notamment pour le travail d'Alina Slimovski dont la peinture navigue dans des ambiances oniriques inquiétantes.
C'est de l'autre côté du hall, dans le secteur des galeries catalanes, que se concentre l'un des pôles les plus attractifs de la foire. Le plateau de la Mayoral Galeria d'Art, dont la venue était précédée de fortes louanges, mérite ainsi qu'on s'y arrête. Le visiteur y découvrira un nocturne réalisé au fusain sur papier bleu : des toits de tuiles portent le regard jusqu'à une église au loin. Une œuvre de jeunesse de facture classique, mais comme son auteur s'appelle Pablo Picasso, le prix est l'un des plus élevés de la foire : 450.000 €.

Dans ce dédale se nichent d'agréables surprises

Les amateurs y trouveront également quelques dessins, et surtout une délicate petite huile sur papier, mais là aussi d'un temps où le maître espagnol n'avait pas encore bouleversé les règles de la représentation. On peut lui préférer la Crucifixion d'Antonio Saura, très emblématique de la série culte de l'artiste, magnifique d'expressivité.
Dans ce dédale catalan se nichent d'agréables surprises. Ainsi d'un beau travail de Marina Puche, jeune peintre de Valence présentée à la galerie Miquel Alzueta. Cette dernière n'est pas une inconnue à St'art puisqu'elle était déjà venue en 2007. « La situation est actuellement très dure en Espagne. Il est donc important de tenter sa chance ailleurs », confie Meriam Zejli, collaboratrice de la galerie. Écho identique de la galeriste Rosa Ferrer ( El Quatre, Sala d'Art ) dont les trois précédentes participations avaient toujours généré un niveau de ventes satisfaisant - s'y distinguent les Ramblas de Barcelone peints par Jaume Arisa.
Mais St'art ne se réduit évidemment pas au seul plateau catalan. De subtiles propositions sont à dénicher chez Prodromus (à rebours d'un post-pop dominant, Pascal Lombard peint a tempera des paysages dans des tonalités graves et mélancoliques ), chez Iffrig ( les dessins de Couturier, les gouaches de Pressager... ), chez No Smoking ( le regard faussement naïf sur l'enfance d'Aurélie Piau ), chez Stefano Forni ( l'impressionnante leçon de peinture de Matteo Massagrande ) ou encore chez Geneviève Mathieu ( le travail à la pointe sèche de Cristian Opris ). Liste en rien limitative.

Serge Hartmann

Jusqu'au 29 novembre au Wacken. Vendredi 26, de 11 h à 21 h ; samedi 27, de 11 h à 20 h ; dimanche 28, de 11 h à 20 h ; lundi 29, de 11 h à 19 h.

Foire d'art contemporain de Strasbourg

2010-11-19T07:58:00.000-08:00

Bertrand RHINN
et son équipe de La Galerie No Smoking
ont le plaisir de vous faire découvrir leur sélection d'artistes
pour l'édition 2010 de la foire de Strasbourg

Sur le stand A 21

Retrouvez Elise Barat, Aurélie Piau, Marie-Odile Biry-Fétique
et tous les artistes que vous avez particulièrement appréciés
lors des dernières expositions de la galerie

Venez nombreux!

Vernissage jeudi 25 novembre 2010 à 18h

exposition ouverte du 26 au 29 novembre 2010 au Wacken

http://www.st-art.fr

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Sur les pas de saint Thomas d'Aquin

2010-10-23T01:38:00.000-07:00

Péchés capitaux

Sur les pas de saint Thomas d'Aquin, une quinzaine de plasticiens sont allés taquiner, à l'invitation de No Smoking, le thème des Sept péchés capitaux. Avec une nette prédilection pour la luxure. Étonnant ?

STRASBOURG

Orgueil, avarice, envie, colère, luxure, gourmandise et paresse morale : il fallut attendre Thomas d'Aquin et sa Somme théologique pour que soient définis, par la doctrine chrétienne, les sept péchés "capitaux" - ceux desquels découlent tous les autres, puisque placés "en tête" ( capita ). Pouvoir de fascination du mal : des représentations médiévales à David Lachapelle, en passant par Bruegel l'Ancien, Jacques Callot ou encore le célèbre tableau de Jérôme Bosch au Prado, le sujet ne laissa pas indifférent les artistes.
Responsable de la galerie associative No Smoking, Bertrand Rhinn ne dédaigne pas de solliciter à l'occasion des plasticiens afin qu'ils se confrontent à des thèmes de l'art ancien - on se souvient des expositions sur La Jeune Fille et la Mort ou les crucifixions en relecture contemporaine de Grünewald. Nouvelle proposition, avec ces Sept péchés capitaux soumis à une quinzaine d'artistes de la région et d'ailleurs.
Premier constat : une nette prédilection pour la luxure. De là à en déduire un profil psychologique dominant dans l'honorable profession des plasticiens, le propos serait évidemment exagéré.
Les déclinaisons n'en sont pas moins nombreuses : Olivier Lelong a conçu un montage photographique de performances passablement hard, Gerald Wagner détourne le prie-Dieu pour une pénitence soumise au démon de la chair, Mathieu Boisadan mobilise sur une grande toile une métaphore de la montagne un rien sibylline, Marie-Amélie Germain aborde le corps féminin dans une inspiration toute baudelairienne - sa peinture se rappelle des vers de La Charogne (« Les jambes en l'air, comme une femme lubrique / Brûlante et suant les poisons... ») - tandis que Gopal Dagnogo croise luxure et gourmandise dans une suggestive partie à trois.
Que la notion de péché s'inscrive avant tout dans un formatage culturel, Hervé Bonhert en semble convaincu : ses sept crânes réalisés en napperons et disposés à la façon d'une pièce montée, suggèrent une lente et collective mise au diapason. Iglika Christova n'en est pas loin dans un tableau qui fait se chevaucher images et temporalités ( celles d'avant et d'après le péché ), quand Benoît Decque recourt à un cahier d'écolier et à une technique d'écriture automatique pour se livrer à un exercice / performance de déculpabilisation.
Certains travaux sont plus allusifs. Comment interpréter les hosties délicatement brodées de fragments humains par Laure André ? A laquelle on doit aussi ces inquiétantes boîtes d'entomologistes dont le couvercle en verre est gravé de silhouettes d'enfants morts-nés - proposition qui cumule finesse d'exécution et force dérangeante.
D'autres s'amusent. Pour l'avarice, Alain Galaup ose une peinture "radine" - un fond gris d'où le mot se détache dans une économie graphique. Pour Aurélie Piau, la gourmandise s'installe dans une iconographie détournée, volontairement désuète et faussement naïve. En revanche, l'œil glisse sur la peinture lisse de Tailing qui sacrifie à un manga-pop par trop dans l'air du temps.
L'œuvre qui se distingue du lot, on la doit peut-être à un jeune peintre de Strasbourg, formé aux Beaux-Arts de Lyon, dont c'est la première exposition. La gourmandise lui donne l'occasion d'un magistral et double-autoportrait à l'huile. Dans une nuit caravagesque éclairée au Butagaz, affublé de lunettes grotesques, d'ailes ridicules, vêtu d'un tee-shirt et d'un slip fatigués, chaussé de croquenots, il livre une version contemporaine de Belzébuth, le démon tutélaire de la gourmandise, souvent associé à la mouche ( le Seigneur des mouches dans l'ancien pays de Canaan ). D'une jambe conquérante, il domine un double pitoyable, clochardisé, nourri de pizza, bières et confiseries. Remarquable, par le fond et la forme.
Une représentation dépourvue de tout orgueil. Orgueil par ailleurs très absent dans l'exposition. Quoique... « Les plasticiens n'en sont-ils largement pourvus ? Il faut un certain ego pour revendiquer et ensuite soumettre son travail au public », interroge, narquois, Bertrand Rhinn.

Serge Hartmann

Jusqu'au 4 décembre, à la galerie No Smoking, 19 rue Thiergarten. Du mercredi au samedi, de 14 h à 19 h. 03 88 32 60 83.

Concert de Guitare Classique

2010-10-08T11:37:00.001-07:00

Concert de Guitare Classique
a la Galerie No Smoking
par le Duo BUROT TOKUNAGA
Le Samedi 16 octobre a 20H30
On vous invite à découvrir des œuvres de Sor,Rodrigue,
Mertz , Villa Lobos, et d'autres.
Venez nombreux!
Tarifs: normal €10, réduit €7.50

La presse de l'exposition de Marie Odile Biry Fétique

2010-09-25T09:57:00.000-07:00

Marie-Odile Biry-Fétique un paysage et des visions

Ses paysages à la poésie réinventée sont autant d'espaces destinés à bousculer la peinture dans d'ultimes retranchements. No Smoking convoque le travail brutal, violent, à l'éclat ténébreux, de Marie-Odile Biry-Fétique.

STRASBOURG

Plus qu'une simple série, le paysage est ce qui me pousse à peindre. La rencontre avec le motif provoque en moi une espèce de fusion dans laquelle interviennent différentes données : le lieu dans sa réalité physique bien sûr, mais aussi un moment, une atmosphère, des sensations, des couleurs... » , dit-elle.
Ce besoin impérieux du paysage qu'éprouve Marie-Odile Biry-Fétique, le visiteur le ressentira sans nul doute. D'abord dans ses grandes toiles dépourvues de tout châssis et pendues au mur, à la touche très jetée, aux coulures qui s'en vont saigner sur de larges marges immaculées, mais aussi dans ses petits formats rectangulaires, concentrés explosifs d'énergie et de matière. Quant à ses œuvres sur papier, au graphisme sauvage, elles sont traversées d'une urgence identique - et passablement énervée.
Chacun verra dans ces images de possibles paysages familiers, un sentiment de déjà-vu, en Méditerranée, en Bretagne ou ailleurs. En vérité, peu importe. Si Marie-Odile s'est beaucoup inspirée de la Corse, elle revendique d'abord la notion de « paysage réinventé », parle même d'utopie. Peut-être tout simplement celle de penser qu'il est possible de s'approprier un fragment de nature par la seule peinture.
Professeur en arts visuels à l'Université de Strasbourg, l'artiste se situe davantage sur le terrain de la réinterprétation, de la mise en résonance plastique d'une réalité existante répondant à une vision propre. « J'ai besoin du motif, mais je ne travaille pas directement dessus. Je m'aide aussi de la photographie, des images que j'ai prises comme de celles que je trouve » , indique-t-elle encore.
Et ainsi certaines incrustations venues d'ailleurs trouvent-elles place dans quelques-unes de ses peintures, partie cohérente d'un tout qui participe désormais d'une vision pleinement autonome, sinon poétiquement libérée. Stade suprême de cette logique : de petits bijoux que sont les cartes postales sur lesquelles elle intervient, recomposant de nouveaux paysages qui perturbent le visiteur : jusqu'où le geste artistique oblitère-t-il l'image initiale ? « Sur certaines, le résultat final n'a plus rien à voir avec la photographie originale. Une mer peut très bien être recouverte par un champ. » Sachant, cependant, que sans cette mer, ce champ-là n'aurait probablement jamais vu le jour.
Avec ses pigments qu'elle mêle à de l'encaustique - « Ma petite cuisine... » -, Marie-Odile chemine ainsi dans des paysages traversés d'une tension magnifique - ses ciels, qui parfois constituent un sujet en soi, sont d'une beauté terrible. Quelques pièces deviennent d'évidents prétextes à pousser la peinture à un périlleux point de rupture. De la forme, où l'artiste frôle parfois le pur chaos dans lequel se perd le regard. De la couleur aussi, certains accords de tons pouvant faire passer les Fauves pour de sages adeptes de la plus complète retenue.
Cette prise de risque, où s'affrontent vigueur et mélancolie, l'artiste la domine désormais avec un réel talent. Excellente ouverture de saison pour No Smoking.

Serge Hartmann

Jusqu'au 2 octobre, chez No Smoking, 19 rue Thiergarten. Du mercredi au samedi, de 14 h à 19 h. L'artiste est présente le samedi. 03 88 32 60 83.

Les 7 péchés capitaux

2010-08-19T11:26:00.000-07:00

LES 7 PÉCHÉS CAPITAUX
du 15 octobre au 04 décembre 2010

En octobre tu expieras tes péchés!

16 artistes de chez nous mais aussi de
Bruxelles, Paris, Metz, Stuttgart, Sofia ou Montpellier
viennent faire un tour à la galerie et présenterons
leurs visions des 7 péchés capitaux remis au goût
du jour.

à la Galerie No Smoking

Avec
Laure André
Hervé Bohnert
Mathieu Boisadan
Iglika Christova
Gopal Dagnogo
Benoit Decque
Alain Galaup
Edwige Fouvry
Marie Amélie Germain
Alecs Heiduschka
Emmanuel Linderer
Olivier lelong
Aurélie Piau
Taling
Christian Voltz
Gérald Wagner

Exposition ouverte
du mercredi au samedi de 15 à 19h
et sur rendez vous tous les matins
Vernissage Vendredi le 15 octobre 2010
à 18 h en présence des artistes.

et un mini concert du spectacle
"de l'amour,de l'eau fraîche et le reste"
(en piste à la galerie a partir du 21 octobre)

et du concert du duo de guitares
"Tokunaga-Burot "le 16 octobre à 20h

Retrouvez le programme completsur: www.galerie-nosmoking.com/pages/projets.html

Les sept péchés capitaux sont une exposition qui allie Histoire de l'art et la transgression de l'interdit.

Des grands maitres du passé à la vision d'artistes de nos jours...le sujet vous inspire?

N'hésitez pas a venir à la galerie à partir du 15 octobre 2010

Si on vous demandait : Quel serait le péché capital de notre époque? Quelle serait votre réponse? Vous vous souviendrez peut-être que le philosophe André Comte-Sponville, un de nos préférés, avait répondu à la question lorsqu’il avait déterminé que égoïsme, cruauté, lâcheté, mauvaise foi, suffisance, fanatisme et veulerie constituaient les sept nouveaux péchés capitaux.

Vous rappelez-vous quels étaient les péchés capitaux dans la tradition catholique? Il y avait l’orgueil, l’avarice, la luxure (c’est sans doute celui que vous avez nommé en premier… moi aussi d’ailleurs), l’envie, la gourmandise, la colère et la paresse. Lorsque André Comte-Sponville a établi la liste des nouveaux péchés capitaux, il l’a fait paraître dans la publication française Psychologies. On a alors demandé aux lecteurs du magazine quel était, selon eux, le péché capital de notre époque et certains d’entre eux ont répondu :

l’indifférence

la vénalité

la surconsommation

l’hypocrisie

la malhonnêteté

la trahison

la soif de pouvoir

le paraître

la perversité

la bassesse

l’amour

la médisance

En septembre avec Marie Odile Biry Fétique

2010-08-12T08:44:00.000-07:00

Marie-Odile Biry-Fétique
Déjà présentée il y a quelques années , j'ai le plaisir de vous inviter au vernissage des dernières œuvres de Marie Odile Biry

Vendredi le 17 septembre à 18 h en présence de l'artiste. Paysages visités L'exposition sera ouverte
du 17 septembre au 2 octobre 2010
du mercredi au samedi de 14 à 19h
et sur rendez vous tous les matins

Marie Odile Biry Fétique est également
maître de conférences à L'UFR
d'Arts Visuels de l'université de Strasbourg

Depuis toujours je fais des images, toutes sortes d’images. La peinture, le dessin, la photographie constituent pour moi une sorte de « réserve naturelle » où se déploie ma fantaisie.
Jardins désertés, champs de tournesols ensauvagés, montagnes, rivières sont mes lieux d ‘élection: des zones de « nature libre » comme Freud nommait naguère le domaine de l’imagination …Je ne peins pas sur le motif mais d’après… je ne le découvre pas, j’éprouve sa présence comme une sorte d’instantané du souvenir : tel un chasseur de papillons, je pars souvent dans mes pérégrinations armée d’un polaroïd qui me permettra de le fixer à son lieu d’origine : toujours déjà image. Mais parfois, c’est la peinture qui m’attend: les broussailles anticipent le fusain et ses lacis de bois brûlé, des taches de mûres au sol provoquent une envie de dripping garance.
Elle m’arrête aussi parce que retrouvée de l’autre: « Tiens on dirait un Corot ! »Mais dresser une carte des influences et des affinités serait chose ardue. Le retour à l’atelier sera le temps de l’incorporation spéculaire du monde.« Puisque la joie m’est venue par la contemplation, le retour de la joie peut bien m’être donné par la peinture » (Françis Ponge).Une négociation s’engagera entre tous ces ressentis, ces bribes d’images erratiques et leur représentation. Parfois le passage se fera en douceur, avec tendresse
( le terme italien de morbidesse conviendrait mieux ), d’autres fois, il s’agira d’une véritable disputatio. La question de la limite, du bord, incarne bien ces dilemmes, certains motifs fluctuant dans le blanc de la page, d’autres s’accommodant de l’autorité du châssis.
Les images y constituent un monde distinct de la réalité, détaché, et parfois si étranger qu’ils en déroutent mes desseins liminaires pour mener leur propre trace.
L’étrangeté d’images dont je suis pourtant l’auteur(e) tient sans doute à mon refus de cheminer avec méthode. Je préfère vaticiner entre le papier et la toile, les petits
et les grands formats, les uns se glissant dans les autres, se heurtant par collages ou sollicitant une citation. Tous les chemins mènent ici au pittoresque – quelqu’en soit le genre ou la facture. Cet été fut celui de vagabondages sur cartes postales…Le plaisir pris à faire de la peinture vient de la possibilité qu’elle m’offre de disposer autant d’une harmonie non-figurative de formes et de couleurs que des représentations d’êtres ou de choses.
Enfin un facteur essentiel pour moi est l’art de cuisiner avec diverses substances et alchimies. Je goûte le jus et la croûte, je fabrique le plus souvent mes couleurs avec de

l’encaustique et des poudres de pigments (manière de retourner à la nature ?)

Un texte de Jean-Yves Bainier

La représentation du paysage comme genre véritablement autonome remonte dans l'art occidental au siècle d'or de la peinture des Pays Bas c'est à dire à une période relativement récente de l'histoire de l'art: le XVIIème siècle.
Si l'école hollandaise, au combien prolifique a inventé le genre paysage, les peintres n'ont cessé depuis de s'attacher à l'interprétation des images de nature au moyen de codes, de formes, d'interprétations infiniment diversifiées. C'est peut-être le surprenant paradoxe constaté entre l'impermanence du moment capté par l'artiste (la dimension fugitive du paysage) et un sentiment d'universelle éternité qu'évoque toute peinture représentant un paysage qui explique cet attachement au genre.

Pour Marie-Odile Biry-Fétique, le désir de peindre procède directement de la relation sensible, émotionnelle, qui s'établit avec certains paysages. Une montagne admirée en Corse, une modeste maison bordée de cyprès au milieu des verdoyantes collines toscanes, une fleur, tournesol émergeant parmi les broussailles entrelacées, et les hautes herbes où virevolte les papillons constituent autant de motifs déclencheurs, d'appels de la peinture. Marie Odile parle elle même et fort bien de cette « réserve naturelle » qu'offrent au gré de ses cheminements « jardins désertés, champs de tournesols ensauvagés, montagnes, rivières ». La photographie en gardant la mémoire du lieu choisi se retrouve parfois incluse dans la peinture comme référence, collage-témoignage d'un ressenti, d'une émotion initiale. Une simple carte postale peut aussi devenir le champ d'une intervention picturale où la modeste image originelle sera développée, transformée, magnifiée. La disparité des supports des formats, des techniques ne conteste à aucun moment un travail pictural qui confère à la photographie retravaillée le même statut que la toile libre.

Cette diversité: toile libre de grand format, toile sur châssis de très petite taille, papiers de tous grains et de toutes dimensions trouve en effet son unité dans la peinture qui s'y développe, riche, profuse, coloriste, où la touche s'étale en une subtile oscillation entre représentation réaliste et expression plus abstraite. Une douce confrontation s’établit ainsi entre une approche descriptive de la nature et une interprétation imaginative du réel. Ce processus créatif, au fur et à mesure de son développement va conduire l'artiste à la révélation d’une image inattendue dont l'aboutissement est source d'étonnement pour elle même. La couleur, la matière, la lumière solaire, l'ampleur du geste dans les grandes toiles, la touche plus mesurée, délicate, mais toujours expressive dans les supports plus réduits traduisent un plaisir de peinture fondé sur une découverte, un échange intime entre l'artiste et le motif. C'est ainsi que la série des « délassements du peintre » (référence au titre générique d'une célèbre série de Jean le Gac) installe le chevalet dans le paysage et se reçoit comme une délicate célébration de la peinture sur le motif (et donc des grands noms de l'histoire de l'art qui l'ont pratiqué).

Le désir de peindre, voire l'impérative nécessité de peindre conduisent Marie-Odile Biry-Fétique à l'accomplissement d'un travail d'une grande pertinence alliant la variété des formats et des supports déjà soulignée, à l'utilisation de larges brosses, de chiffons de crayons gras et à la mise en œuvre d'une matière picturale élaborée selon des recettes qu'affectionnaient les peintres anciens. Cette volonté expérimentale toujours renouvelée est mise au service d'un engagement « en peinture » d'une grande sensibilité. La relation entre les images d’un lieu parfois grandiose, parfois intime et discret dessine au fil des œuvres un itinéraire très personnel dont les étapes et les états s'enrichissent réciproquement d'une constante diversité. Aucune place n'est concédée au pittoresque ou à l'effet décoratif. Marie-Odile n'est pas un(e) peintre « paysagiste », elle traduit ses rencontres avec la nature au moyen d'une écriture picturale qui bien au delà d'une représentation descriptive restitue et décrypte inlassablement le processus même de la création qui conduit l’artiste et le spectateur à une découverte, celle de l’enchantement du monde.

Jean-Yves Bainier est Coordinateur
du pôle Création de la
DRAC Alsace.

Exposition monographique d' Edwige Fouvry

2010-05-25T07:02:00.000-07:00

A l’occasion de sa nouvelle exposition,
la Galerie No Smoking, vous invite à découvrir
une artiste bruxelloise : Edwige Fouvry.

Je vous invite au vernissage le vendredi 11 juin 2010 à partir de 18 heures en présence de l’artiste.

L’exposition sera ensuite ouverte au public
du 11 juin au 10 juillet 2010 (sur rendez vous entre le 1er et 10 juillet)

Edwige Fouvry, possède un talent qui est loin de nous avoir laissé indifférent. Elle est manifestement une artiste rare, capable de transmettre à merveille l’émotion par son dessin et sa peinture.
Ses toiles subtilement travaillées de par l’alchimie des couleurs, donnent un profond relief et une intensité troublante aux personnages. Ses visages et ses corps, comme animés, transportent le spectateur captivé, dans son univers.
Ses peintures comme sorties d’un rêve, floues, sont porteuses de sens et d’expressions, dont très vite on devient complice.
Partagé entre réel et imaginaire, on est assailli par la force émanant de ces toiles, qui se révèlent en fait le miroir de nos âmes, de nos émotions enfouies en nous.

Edwige FOUVRY

Les tableaux d’Edwige se situent entre le réel et l’imaginaire, ils parlent des émotions issues du passé, des souvenirs, de la déformation que ceux-ci subissent avec le temps.
Les peintures sont longuement travaillées, en couches successives, donnant profondeur et subtilité à la matière.
Souvent se dégage une atmosphère particulière où le spectateur fera partie intégrante de l’histoire dévoilée ou chuchotée dans chaque toile.
Edwige travaille également sur de petits formats mélangeant de nombreuses techniques : aquarelle, crayon, vernis, encres, etc…
« Il s'en dégage une impression de grande intériorité, une part de mystère aussi, je pense entre autre à ces visages que l'on voudrait mieux connaître et nous renvoient à nos propres interrogations. C'est une expérience que j'ai vécue avec intensité.
J'aime beaucoup celui représentant des enfants aux bulles de savon, avec le contraste des couleurs sombres et lumineuses et la légèreté des bulles qui réhausse la gravité des attitudes entièrement consacrées au "jeu" comme soulignant l'éphémère innocence de l'enfance ... Beaucoup de poésie, beaucoup d'émotions contenues. »Xavier Aubert

GALERIE OUVERTE-Ateliers d'artistes Strasbourg

2010-04-28T10:32:00.000-07:00

GALERIE OUVERTE

Dans le cadre des « Ateliers ouverts » de Strasbourg,
la Galerie No Smoking, lieu de diffusion de l’art,

vous invite à découvrir les
samedi et dimanche 8-9 mai et 15-16 mai 2010,
de 14 à 20h

des artistes,
ne disposant pas d’ateliers permettant d’accueillir du public.
Il s’agit d’Hervé Bohnert, Elise Barat et Erwan Tirilly….

Ouvert également du mercredi au vendredi de 14 à 19h
et tous les matins sur rendez-vous

jusqu'au 03 juin 2010

Hervé Bohnert, artiste autodidacte strasbourgeois
, redonne une seconde vie à ces sculptures et
photographies trouvées aux puces, en leur façonnant
habilement des visages macabres, qui viennent témoigner
de l’éternel lien entre la vie et la mort.

Erwann Tirilly est un artiste pour qui le corps
est un théâtre où se jouent de multiples expériences.
Peintures mi-image, mi-pixels, se révèlent en
deux temps : ce que l’on croit voir et ce que l’on voit.

Elise Barat est une artiste qui peint le miroir
de l’eau, mêlant le réel à son image, image d’un monde à la renverse.
Elle saisit l’instant insaisissable du cours
d’eau en constante mouvance, s’y engage
par sa peinture, ainsi que les canards nageant à contre-courant.

Bien évidemment, se sera également l’occasion de découvrir
le travail d’artistes en permanence à la galerie comme Christian Miquel, Aurélie Piau
et d’autres artistes emblématiques des futures expositions de la galerie.

Site des ateliers ouverts

Galerie No Smoking
Directeur de la galerie : Bertrand Rhinn

Derniers jours pour découvrir l'expo de Gopal DAGNOGO

2010-04-27T08:01:00.000-07:00

Dépêchez vous!
l'exposition fini le vendredi 30 avril

Les songes de Gopal Dagnogo - DNA

2010-04-03T08:33:00.000-07:00

Focus

Gopal Dagnogo. Photo DNA - Bernard Meyer

STRASBOURG

Les songes de
Gopal Dagnogo

Nourri de ses racines africaines, mais aussi d'une peinture occidentale dont l'intérêt ne lui a pas échappé, Gopal Dagnogo, 36 ans, originaire de Côte d'Ivoire, signe des tableaux d'une brutalité métissée qu'il présente à la Galerie No Smoking.
S'y déploie un tumulte de couleurs, de recouvrements, de coulures, d'éclats. Lui préfère parler de silence. « On associe souvent l'Afrique au son, à la parole. Je crois au contraire que c'est un continent où il faut tendre l'oreille, où le silence recouvre tout » , observe-t-il.
Un silence traversé par tout un peuple de divinités sculpturales, d'animaux les plus divers, de traces et d'éléments humains - une jambe, un pied, une main, un corps, mais aussi une chaussure ou une bouteille, sans oublier des ponctuations graphiques sous formes de définitions de dictionnaire ou de chiffres qu'il définit comme « cabalistiques ».
Autant de codes que relie entre eux cette énergie de l'acrylique, parfois colorée, parfois laiteuse, mais toujours ancrée dans la notion d'une mémoire qui affleure. « Faire resurgir le refoulé », confie ce lointain petit cousin d'un Basquiat métissant racines culturelles africaines et peinture occidentale.
Un cursus d'autodidacte. Ou presque. « J'ai baigné dans l'art. Ma mère était prof aux Beaux-arts d'Abidjan, mes deux frères aînés étaient artistes. Je les aidais dans leurs travaux, ce qui a très vite contribué à me former techniquement », dit-il. Et de raconter comment un temps il gagnait sa vie en réalisant des copies de tableaux anciens avant d'aller explorer d'autres territoires. Ceux, des songes et des silences, que son pinceau chaman révèle sur la toile. Plus réels que les rêves, plus assourdissants que les silences.

S.H.

Jusqu'au 30 avril, chez No Smoking, 19 rue Thiergarten. Du mercredi au samedi, de 14 h à 19 h.

Songes et silences avec GOPAL DAGNOGO

2010-03-04T04:04:00.001-08:00

La peinture d'un passeur pour restituer la mémoire

Gopal Dagnogo, peintre franco-ivoirien, exposera à la galerie à partir de fin mars 2010

“ Je me suis mis à peindre pour gagner de l’argent en faisant des copies”. Gopal Dagnogo, étudiait à l’époque le japonais dans une faculté bordelaise dans la foulée d’un cursus en arts plastiques et en philosophie. Une façon de joindre l’utile à l’agréable. Mais son parcours artistique, jalonné de nombreux voyages en Afrique, l’a éloigné de ses rêves de l’époque. Ses expositions au Burkina Faso, en Côte d’Ivoire, en France lui ont fait connaître le milieu artistique. Un monde sans connexion avec ses aspirations profondes et ses désirs d’échange. Face au business et à l’élititisme, Gopal déçu par le règne de l’individualisme s’est vite retranché dans son appartement parisien du 19è arrondissement. Depuis quelques années , c’est ici qu’il peint “au jour le jour “ sans esprit conquérant. Peu importe les codes du milieu de l’art contemporain africain. Il se plaît à se rendre là où personne ne l’attend. Plus convaincu par les initiatives qui assurent “ une promotion de l’art plus abordable et ouverte ”, le peintre franco-ivoirien préfère les coups de coeur aux bons coups commerciaux. Et tant pis pour la gloire.

EXPOSITION Arnaud Franc

2010-02-07T03:54:00.000-08:00

Le corps et son temps

Après vingt ans d'absence, Arnaud Franc revient à Strasbourg et présente, chez No Smoking, Le Temps du corps. Qui est, ici, celui de l'élégance surgie tant de la ligne que de la matière même de la peinture.

Originaire de Villefranche-sur-Saône, formé aux Arts appliqués de Lyon, Arnaud Franc a vécu quatre ans à Strasbourg, y exposa à deux reprises chez Nicole Buck à l'orée des années 90, avant de ricocher sur Paris, où désormais il vit et travaille. On l'avait croisé chez No Smoking, l'an passé, au cours de l'exposition collective que la galerie consacrait à la relecture contemporaine du thème de La Jeune Fille et la Mort. Il y tient donc aujourd'hui l'affiche seul, avec un panorama d'oeuvres sur toile et papier, réalisées en technique mixte - huile, acrylique, fusain, pastel gras...

Un émerveillement
de la chair

Dénominateur commun de ce vaste ensemble : le corps que l'artiste aborde dans un mélange de grâce et d'épaisseur, de légèreté et de pesanteur. Un travail à l'énergie très graphique, portée par un trait qui n'hésite pas à déformer les proportions, à suggérer la tension du modèle, sa résistance physique, mais aussi à retranscrire la liberté d'un mouvement, la fraîcheur d'une vision - un émerveillement de la chair.
Cette sensibilité à la ligne, souvent discontinue, et même assez brutale, s'accompagne également chez Arnaud Franc d'un plaisir de la couleur, appliquée vigoureusement à la spatule, en recouvrements partiels du sujet, dans des accords de tons vifs, sinon audacieux. S'installe ainsi un jeu plastique où le vide, l'espace, mettent en valeur cette chorégraphie sauvage et dépouillée, ces corps partagés entre beauté et outrance, vérité intérieure de l'artiste et âpre distorsion de la figure humaine.
Le Temps du corps, qui donne son nom à l'exposition, est principalement celui de la métamorphose, d'une vision réappropriée et poétique du nu d'atelier. D'une géographie des formes qu'Arnaud Franc inlassablement parcourt, caresse et malmène, cherchant à en épuiser tous ses possibles. Très souvent avec bonheur. Parfois avec un soupçon de maniérisme un peu trop léché - sa seule faille.

Serge Hartmann

Jusqu'au 13 février chez No Smoking, 19 rue Thiergarten, du mercredi au samedi, de 14 h à 19 h. 03 88 32 60 83.

Édition du Dim 7 fév. 2010

Enfin la presse d'Artistes in Wonderland

2009-10-31T10:08:00.001-07:00

Aurélie Piau un monde désenchanté
Des jeux de l'enfance à ceux des adultes, elle circule dans une ironie désenchantée. Aurélie Piau, c'est un peu Sade qui rencontrerait Alice au Pays des Merveilles. Le résultat se donne à voir chez No Smoking.

Aurélie Piau. Photo DNA - Bernard Meyer

On l'avait repérée lors de l'exposition collective que la galerie avait consacrée, au printemps dernier, au thème de La Jeune Fille et la Mort. Deux toiles y mettaient en scène un inquiétant monde de l'enfance à l'onirisme crépusculaire. L'écho très favorable qu'avait rencontré ce travail a amené Bertrand Rhinn, directeur de No Smoking, à la mettre à l'affiche de sa rentrée automnale.
L'artiste, installée à Montpellier, y signe un accrochage qui conjugue différents supports - grandes bâches peintes, toiles et papiers en moyens ou petits formats. Et surtout : elle ne déçoit pas les attentes qu'elle avait suscitées. Les peintures et dessins d'Aurélie Piau sont autant de petites narrations qui cheminent en des territoires interlopes, au bord du malaise sans jamais y basculer véritablement, toujours retenues par une ironie décapante, une ambiguïté qui crée une distance et dédramatise ce qui pourrait passer immédiatement pour un sombre théâtre de la cruauté.
Ainsi en est-il de ses trois grandes bâches peintes. Une jeune femme, très Maîtresse Domina, s'y livre à de petits jeux érotiques avec un homme qu'on imagine plutôt consentant. L'une de ces pièces, inscrite dans un décorum de roses et petits oiseaux dignes des princesses énamourées de Walt Disney, proclame Pour la Vie. La scène revendique le décalage.
Les deux autres bâches offrent un traitement plastique plus brutal : les personnages émergent d'un espace blanchâtre traité à la spatule, qui à la fois dissimule et met en valeur. Il y a, à chaque fois, une qualité picturale assez saisissante. D'avoir travaillé durant cinq ans dans un atelier de restauration de tableaux, après être passée par les Beaux-arts de Nice et Montpellier, a assurément beaucoup apporté à Aurélie Piau sur le plan de la connaissance même de la matière de la peinture.
Quant au propos, que souligne encore le détournement d'un Pinocchio qui se livre à de joyeuses étreintes avec sa Pinocchiette, Aurélie Piau le résume d'une formule vague et amusée : « Disons que l'amour et les rapports hommes-femmes, c'est une sacrée pagaille... »
Les enfants ne suscitent pas davantage une vision où régneraient calme, harmonie et innocence. Leurs visages offrent parfois le caractère factice du jouet en plastique, comme si l'artiste voulait souligner un abandon d'humanité. Les charmants petits monstres soumettent ainsi à la torture leurs poupées - auxquelles il leur arrive de ressembler dans un dramatique mimétisme -, transpercent les insectes à la fourchette, arborent cocktail molotov, pied de biche ou pince-monseigneur. Parfois leurs sourires ont l'obscénité racoleuse de certaines publicités qui n'ont pas peur d'en rajouter dans la joie imbécile.
Silhouette fine et visage souriant, Aurélie Piau n'en porte pas moins en elle un univers marqué par le désenchantement. Il nourrit des images sidérantes. Il est déconcertant de l'entendre parler des artistes qu'elle aime et qui au regard de son travail paraissent bien sages. Ingres, « pour le dessin et la déformation qu'il engendre », dit-elle. Et Rembrandt, « pour le boeuf écorché . » Evidemment...

Serge Hartmann

Jusqu'au 21 novembre chez No Smoking, 19 rue Thiergarten. Du mercredi au samedi. A voir également : les sculptures en cire et céramique colorées de Sabine Niedzwiedz.

"Aristes In Wonderland" avec Aurélie PIAU et Sabine Niedzwiedz

2009-10-05T00:36:00.000-07:00

et voici la bande annonce de l'exposition !

Artistes In Wonderland- la bande annonce de l'exposition
envoyé par galerienosmoking. - Films courts et animations.

Artistes In Wonderland

2009-09-20T04:01:00.000-07:00

L'exposition "Artistes In Wonderland" se caractérise par sa douceur, son ambiguïté et par la mixité des supports et des techniques employées.
Elle réunit deux artistes, l'une de Paris (Sabine) et l'autre de Montpellier (Aurélie)qui, sans se connaitre, ont exposé en mars à la galerie lors de l'exposition"la jeune fille et la mort"
Les œuvres présentées semblent suspendues dans des instants
dont on ne sait s’ils appartiennent au rêve, à la réalité, ou au souvenir, et étrangement s’impriment sur nos rétines, à la manière d’un passé trouble et délicieux.
Aurélie Piau signe ses toiles d'une force onirique qui mêle fraîcheur et tension, où vie et mort sont étroitement liées à l'existence du merveilleux.

Sabine Niedzwiedz explore des territoires artistiques inconnus où le bois, la cire,
le fer, la laine, les pigments et la céramique se mélangent avec bonheur en plusieurs strates,
symboles de périodes et de thématiques qui s'entrecroisent sans se figer dans ses sculptures ethnico fantastiques.

Exposition d'une artiste chinoise-Inquiétante JIN Shu

2009-06-05T05:41:00.001-07:00

Inquiétante Jin Shu

Entre réalisme photographique et film d'horreur, la jeune Jin Shu navigue nonchalamment. Ses portraits inquiétants se sont arrêtés chez No Smoking.

Les Figures volées de Jin Shu.

STRASBOURG

« Ai-je peint un mort vivant, un vivant mort ? », s'interrogeait, effaré, un Nicolas de Staël dépassé par la logique de sa propre peinture. La même question hante le travail de Jin Shu, artiste chinoise, tout juste diplômée des Arts Déco de Strasbourg. Ses portraits, peints à l'huile sur de grands formats, débordent de réalisme, certains s'inscrivant dans un style proche de l'hyperréalisme qui en dit beaucoup sur sa maîtrise technique.
Mais jusque-là pas de quoi s'extasier. Il s'agirait plutôt d'un point de départ, d'une histoire au bord du fantastique dans laquelle Jin Shu s'apprête à nous entraîner. On sait bien que les scénarios d'horreur débutent toujours par les situations les plus anodines. Car bientôt, ces visages de jeunes garçons et jeunes filles basculeront dans un univers passablement dérangeant. Les regards se vident, comme repliés sur des visions intérieures faites d'épouvante. Les peaux prennent d'étranges couleurs ou motifs, et adoptent une texture toute animale : Jin Shu mêle à sa peinture ses cheveux découpés. Émerge alors, avec ce pelage, quelque chose du loup garou...
Humain ou animal ? Vivant ou zombie ? Le portrait chez Jin Shu ne révèle pas une réalité physique, mais pose des questions peu rassurantes, croise les genres, malmène les codes de la représentation et interroge ces corps jeunes, paradoxalement dissociés de toute trace de vie.
« Pour elle le beau et le laid n'existent pas. Ce qui l'intéresse, c'est une liberté formelle qui la plonge dans l'inquiétant... », résume Bertrand Rhinn, responsable de No Smoking, qui offre à la jeune artiste sa première exposition strasbourgeoise. On pourra également voir ses travaux à l'école des Arts Déco, lors de la traditionnelle exposition des diplômes - les 26, 27 et 28 juin. Ame sensible, s'abstenir.

S.H.

Jusqu'au 4 juillet, chez No Smoking, 19 rue Thiergarten. Du mercredi au samedi, de 14 h à 19 h.

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COMMUNIQUE de PRESSE

Je vous invite pour le vernissage de l'Exposition

De Jin SHU

Vernissage le jeudi 11juin à 18 heures

Exposition ouverte du 11 juin au 4 juillet 2009

du mercredi au samedi de 14 à 19h

COMMUNIQUE DE PRESSE

Shu Jin est diplômée des Arts décoratifs de Strasbourg. La jeune artiste vient de Chine, où elle a suivi durant
quelques années une formation aux beaux arts.
Son travail récent est axé sur le portrait, de très grand format. Des portraits de personnes qu’elle côtoie ou rencontre au gré du hasard.La peinture est selon elle source de liberté. Dans ses œuvres, l’espace derrière les personnages est d’ailleurs souvent blanc, ou composé de formes géométriques, afin de représenter l’esprit infini de l’artiste.Elle réanime des tableaux sans vie, leur donne une âme, un sens. Contrairement à ses personnages, qu’elle rend aveugles en omettant de peindre leurs yeux.Toute la complexité et le paradoxe de son travail se situent ici. Elle fait de ses personnages des « non vivants », tout en rendant le tableau vivant. Ses œuvres sont peut être kitsch ou sont en phase de le devenir. L’art n’a en effet pas de norme. Le Beau et le Laid n’existent pas.
Hormis cette série de portraits de spectres, elle réalise d’autres travaux, plus conventionnels toujours autour du thème du portrait. .
Mais que sa peinture soit kitsch ou décalée, Shu Jin réussit à nous faire entrer dans son univers, où l’on suit (fuit ?) des regards inexistants.

Ses tableaux seront visible aux art décoratifs
les 26-27 et 28 juin lors de l'exposition

des diplômes de l'école

Les peintures d'Emmanuelle Potier

2009-06-03T04:44:00.000-07:00

Diplômée en 2006 de l'école supérieure des Beaux-Arts de Nancy, Emmanuelle Potier est une plasticienne qui observe les mutations de la société et y puise ses sujets. Elle expose jusqu'au 6 juin à la galerie No Smoking.
Parmi les nombreuses photographies qu'Emmanuelle Potier prend dans la rue ou sur l'écran de la télévision, elle choisit des personnages en action sur la plage, au retour du marché le cabas au bras ou traversant une place. Projetés sur la toile, détachés de leur environnement, ils vont perdre leur réalité pour devenir objet de peinture. A l'huile fortement diluée, les couleurs s'estompent, un certain flou gomme parfois les formes. A contrario, surexposés, la lumière sculpte leur corps et les plis de leurs vêtements.
Au cours d'un séjour Erasmus en 2005, elle pratiqua le dessin d'anatomie, la peinture, la gravure. obtint de nombreux diplômes puis, entra dans la carrière, décidant d'être l'artisane et l'artiste de chacune de ses oeuvres. Elle assemble le châssis, cloue la toile, parfois de très grandes dimensions comme celle de son diplôme, la prépare pour y fixer sa vision de quelques instants du monde urbain actuel. Ses interprétations, ne sont pas mimétiques. Emmanuelle Potier prend ses distances par rapport à l'image choisie, laissant les coulures du hasard y introduire la fantaisie. Parmi la douzaine d'expositions des quatre dernières années, relevons celle du Musée des Beaux-Arts de Nancy qui en collaboration avec l'ICN et l'Ecole des Mines présentaient les résultats des recherches effectuées en commun, titrées Art et Espace public. Dynamique, la plasticienne est ouverte à tous les courants, et c'est ainsi qu'elle est arrivée en 2007 à Strasbourg, pour se former aux Arts Déco comme intervenante dans des lieux et auprès de personnes pour qui l'Art n'est qu'un mot.

Julie Carpentier

Galerie No Smoking, 19 rue Thiergarten, jusqu'au 6 juin, du mercredi au samedi, de 14 à 19h. 03 88 32 60 83

Édition du Dim 31 mai 2009

Vidéo de l'exposition la jeune fille et la mort

2009-04-14T06:03:00.001-07:00

avec
Tristan Adelen
Hervé Bohnert
Elisabeth Fréring
Sabine Niedzwiedz
Stephane Lallemand
Elisabeth Gilbert Dragic
Raymond-Emile Waydelich
Benoit de Carpentier
Mathieu Weemaels
Emmanuelle Potier
Christoff Baron
Sophie Chazal
Arnaud Franc
Gala Dittmar
René Weber
Aurélie Piau
Daniel Lutz
Eric Laniol

L'exposition est prolongée jusqu'au 7 mai 2009

Un film de Gala DITTMAR

voir ses vidéo ici

PRESSE de L'Exposition "la jeune fille et la mort"

2009-03-27T06:58:00.000-07:00

Agenda
Agenda

STRASBOURG La Jeune Fille et la Mort René Weber, Raymond-Emile Waydelich, Eric Laniol... Quinze artistes revisitent le thème érotico-morbide de La Jeune Fille et la Mort. Jusqu'au 18 avril, chez No Smoking, 19 rue Thiergarten. Du mercredi au samedi, 14 h à 19 h. ...

Une exposition chez No Smoking
La Jeune Fille et la Mort
Sur les traces de Hans Baldung Grien et de Niklaus Manuel Deutsch, dix-huit artistes revisitent le thème très rhénan de La Jeune Fille et la Mort. Sexe, effroi et décalages.

La Jeune Fille et la Mort par Eric Laniol, Christoff Baron et Raymond-Emile Waydelich.

Aurélie Piau.

Sabine Niedzwiedz.

La Mort, face grimaçante, saisit la chevelure d'une femme au corps dénudé, blafard, pour la précipiter dans la tombe ouverte à ses pieds. En 1517, Hans Baldung Grien peignait sur un panneau de bois cette Jeune Fille et la Mort , témoignage d'un temps où rien n'était plus fragile que le fil d'une vie. Il en donnait aussi une autre version, plus sexuelle : un squelette y étreint et embrasse sa victime qui se débat dans son linceul. Son confrère le Bernois Niklaus Manuel Deutsch était au diapason, représentant le visage décharné de la Camarde qui cherche goulûment les lèvres de la jeune femme épouvantée.

Danse macabre ou
Grande Faucheuse

« On imagine généralement que le thème de La Jeune Fille et la Mort est typiquement rhénan. C'est oublier qu'il puise ses racines bien plus loin, dans la mythologie grecque, avec le rapt de Prospérine par Hadès, le dieu des Enfers. Mais il est clair qu'il a pris une toute autre dimension au Moyen Age, notamment après les grandes épidémies de peste qui ravagèrent une Europe déjà en proie aux guerres. La mort participait du quotidien des gens. La Danse macabre ou la Grande Faucheuse étaient des images qui faisaient vraiment sens. La Jeune Fille et la Mort aussi... », commente Bertrand Rhinn, responsable de la galerie No Smoking.
Après la Crucifixion de Matthias Grünewald, l'an passé, il a sollicité à nouveau le regard de plasticiens, de la région et d'ailleurs, les invitant à réinterpréter ce grand thème classique. Une quinzaine de propositions, comptant quelques belles pièces, déclinent ainsi ce face-à-face de l'érotisme et de la mort.
Stéphane Lallemand en offre, par la photographie, une vision proche des illustres prédécesseurs évoqués plus haut : sensualité d'une jeune femme nue au visage tourné vers la Camarde, située derrière elle, et qui saisit son corps d'une main ferme - le modèle reprend la pose et le jeu du voile de la célèbre peinture de Baldung Grien au Kunstmuseum de Bâle. C'est ici la réinterprétation contemporaine à la charge érotique la plus directe, la plus crue, quand beaucoup d'artistes adoptent une certaine distance.
Distance qui s'exprime par le biais de l'ironie, à l'image de Raymond-Emile Waydelich qui met sous cloche un monstre de série B s'élançant vers une poupée Barbie aux seins dévoilés, ou de René Weber dont la découpe d'un profil est parsemée de petits crânes rieurs - une autre vision plus sombre, plus picturale aussi, superpose sur du Plexiglas la tête d'une momie et celle d'une jeune femme traitée d'une façon que les Nouveaux Fauves n'auraient pas réniée.
On retrouve ici des fidèles de No Smoking, comme Hervé Bohnert, Christoff Baron, Benoit de Carpentier - des serpents et autres crapaux flottant dans des bocaux de formol dialoguent avec d'accortes créatures de la peinture académique -, ou encore Elisabeth Frering qui livre un beau et sobre travail à l'aquarelle et à la mine de plomb sur papier - univers décalé où des silhouettes du monde de l'enfance, Mickey ou lapins, en croisent d'autres, plus menaçantes, tout ce petit monde, parfois érotisé, toujours spectral, lévitant dans l'espace vierge de la feuille.
Si tout n'est pas ici forcément convaincant - on a connu Mathieu Weemaels plus inspiré et on a beau écarquiller les yeux, la toile d'Elisabeth Gilbert Dragic ne révèle pas son secret... -, quelques découvertes suscitent l'intérêt et l'envie d'en connaître plus sur le travail des artistes. Il y a tout d'abord Emmanuelle Potier - lire ci-contre - dont la toile constitue l'une des belles surprises de l'exposition. Aurélie Piau, que Bertrand Rhinn est allé dénicher à Montpellier, signe deux toiles d'une force onirique qui lie magnifiquement fraîcheur et tension. « Je lui organiserai une exposition perso », promet Bertrand Rhinn - on ne demande pas mieux.

Tout un petit monde
parfois érotisé,
toujours spectral

L'univers baroque et coloré de Gala Dittmar intrigue aussi. La photographe, d'origine strasbourgeoise et installée en Belgique, scénarise en cinq stations la mise à mort d'une jeune femme par une femme plus âgée, voilée de noir, dague à la main. Le propos s'y situe à mi-parcours entre scène d'assassinat et tendresse d'une Mater Dolorosa qui berce le corps de sa victime. « Pour moi, la mort a quelque chose de maternel », risque l'artiste. Cinq siècles après Baldung Grien, le trépas a ( presque ) perdu de son effroi...

Serge Hartmann

Jusqu'au 18 avril chez No Smoking, 19 rue Thiergarten à Strasbourg. Du mercredi au samedi de 14 h à 19 h. 03 88 32 60 83.

18 artistes revisitent le theme de "La jeune fille et la mort "

2009-01-28T02:47:00.001-08:00

La jeune fille et la
mort est un thème à
multiples facettes. Prenant
racines dans de vieilles traditions
mythologiques, il est repris par la
renaissance Allemande et devient
un symbole entre sexualité et mort.
C’est sur cette vision que s’appuie
notre exposition en revisitant une
grande partie de la fascination
et l’iconographie actuelle
de la mort.

avec
Tristan Adelen
Hervé Bohnert
Elisabeth Fréring
Sabine Niedzwiedz
Stephane Lallemand
Elisabeth Gilbert Dragic
Raymond-Emile Waydelich
Benoit de Carpentier
Mathieu Weemaels
Emmanuelle Potier
Christoff Baron
Sophie Chazal
Arnaud Franc
Gala Dittmar
René Weber
Aurélie Piau
Daniel Lutz
Eric Laniol

Exposition "La Jeune Fille et la Mort" du 13 Mars au 18 Avril 2009

Vernissage le vendredi 13 mars à 18 heures.

Pour plus d‘informations sur nos artistes et nos expositions, visitez le site www.galerie-nosmoking.com ou venez directement à la galerie.

Galerie No Smoking
Directeur des expositions :Bertrand Rhinn
19 Rue Thiergarten - 67000 Strasbourg
Nouveaux Horaires d’ouverture: du mardi au samedi de 15h à 19 heures et tous les matins sur rendez-vous.

En janvier 2008, la galerie No Smoking a accueilli une exposition intitulée
« correspondances avec Matthias Grünewald», conçue dans le but de revisiter l’œuvre de Grünewald de façon surprenante et contemporaine.

Elle inaugure une nouvelle série inscrite dans notre programmation, consacrée aux grands thèmes de l’histoire de l’art.

« La jeune fille et la mort» thème retenu pour 2009, invite également à une infinité de relectures contemporaines. Car c’est sur ce contraste que s’appuie une grande partie de l’iconographie actuelle de la mort.
Il m’a semblé particulièrement intéressant d’offrir à plusieurs artistes la possibilité de s’y confronter.

Le thème de « La Jeune Fille et la Mort » prend racine dans la mythologie grecque avec Perséphone et Hadès – soit la personnification de la beauté féminine, les Enfers incarnant bien évidemment la mort. Il connaîtra son apogée au Moyen Age tardif et à la Renaissance, notamment dans le bassin rhénan.
En effet, la grande épidémie de peste du milieu du XIV siècle a profondément changé l’image de la mort. La peur de la mort a aussi entraîné une fascination dont nous gardons des témoignages aujourd’hui encore.
C’est parce que « la Jeune Fille et la Mort » appartiennent à l’histoire passée autant qu’à notre histoire contemporaine que la galerie No smoking a invité 18 artistes proposant une série d’œuvres non exhaustives .
La représentation de « la Jeune Fille et la Mort» est présente dans les civilisations anciennes et actuelles et nous la côtoyons au quotidien.
C’est à cette tradition que notre exposition fait référence, sans que cela constitue pour autant une piste unique.

Les artistes ont répondu ou intégré le thème dans leurs productions artistiques respectives.

Cette exposition présentera le travail d’artistes d’horizons et de générations très différents.
Ils sont pour partie de la région, mais aussi de Paris, de Lyon, de Metz, de Montpellier, de Bruges et de Bruxelles

Elisabeth Fréring présente une série de dessins élégants et sensibles .Des variations sur la désarticulation du bestiaire de l’innocence se révélant par le truchement répétée et le sourire énigmatique du sexe et de la puberté.
.

Stéphane Lallemand cite des œuvres historiques par une savante mise en scène photographique Il combine l’association aux peintures célèbres avec la démonstration de la relation entre le modèle et le photographe tout en y intégrant une dimension humoristique

Le travail de Raymond-Emile Waydelich reprend le thème en mettant en scène la jeune fille la plus connue au monde (la poupée Barbie) et la mort symbolisée par une chimère bien contemporaine.

Et la fascination continue:
Mathieu Weemaels de Bruxelles nous présente un pastel sec d'‘une scène très intime:
« Devant un miroir, des objets en décomposition, ou morts : pommes séchées, fleurs mortes, le reflet d’un dos de jeune fille, une ombre inquiétante (la mort ?) et négligemment posée au sol, une paire de chaussures très contemporaines... Voilà mon décor est planté ! »

Hervé Bohnert (qui aborde le thème de façon récurrente depuis 10 ans déjà) présentera une sculpture érotique où mort et jeune fille sont étroitement enlacés dans une frénésie sexuelle.

Emmanuelle Potier à choisi de revisiter par la peinture le film La Jeune Fille et la Mort (Death and the Maiden) réalisé par Roman Polanski, de 1994 et adapté de la pièce du dramaturge chilien Ariel Dorfman, rescapé du régime de Pinochet.

René Weber et Sophie Chazal nous présenteront une œuvre lumineuse.

Tristan Adelen revisite, par collage de photos anciennes, Eurydice, Antigone, Iphigénie… mais aussi Pénélope. Figures tutélaires, jeunes filles condamnées à l’obscur.
Qui dialoguent avec le chanteur, l’amant, le frère ou le père, le vieux roi qui a " un œil en trop ".
Ou la mère mauvaise qui règne sur les enfers.
Ou cette machine, la société – roche broyeuse qui nous emporte.

Le projet de Gala Dittmar est centré sur l’intimité d’une scène dans un très vieil hôtel de Bruges avec une jeune fille qui à rendez vous avec sont destin funeste.

La lyonnaise Elisabeth Gilbert-Dragic présente une fleur-animale réalisée à partir de peau de bête (la mort travestie ?) et met celle-ci en relation avec des peintures innocentes de fleurs(des jeunes filles innocentes ?)..

Chez Aurélie Piau Une très jeune fille observe au milieu d'une nature violente sombre et douce un ensemble de cranes vaudou(ce sont les morts qui dirigent le monde dixit un inconnu). Sur sa tète l'accompagne l'oiseau de l'innocence (pas si bête) . A ces pieds poussent des narcisses dont les racines sont très visibles. Dans ce tableau le spirituel et l'organique ne se distinguent pas (comme dans les pratiques vaudou), la vie nourrit la mort et la mort nourrit la vie, est ce qu'il y aurait du merveilleux si la mort n'existait pas.

Citons également les dessins hauts en couleurs d’Arnaud Franc , les photographies inquiétantes de Daniel Lutz et les mises en relations improbables et intemporelle de Benoît de Carpentier et les immuables scènes figées sur planches en bois de Christoff Baron, planches dont on voit immédiatement la patine du vieillissement.

Pour Eric laniol L’acte de création, en chair comme en esprit, est le plus lyrique, et
peut-être le seul vraiment lyrique de nos actes, et cependant cet acte, en
fin de compte, n’est fait que pour nourrir la mort »1
1 : Elie Faure, Histoire de l’art, L’Esprit des formes, tome 2, Le
livre de poche, 1976, p.287

Plus rien ne va de soi ( était-ce seulement déjà une fois le cas ? )
Peut-on encore réaliser des choses de manière irréfléchie ?
( Heureusement, ce n’est pas l’art qui rend aventureux le parcours de
l’artiste )
Mais l’artiste n’est pas plus le seul joueur qu’il n’est le seul
responsable ( l’a-t-il déjà été une fois ? )
A l’heure actuelle : un art qui ne s’appuie pas sur le programme de la
modernité ( tout en ne cessant de s’y référer ), et qui se refuse à
régresser dans la tradition ( tout en l’utilisant comme contrepoint )

Que faire ?
Que faire avec ce devenir problématique de l’art ? ( il doit se
maintenir comme activité artistique, tout en revendiquant une
indépendance de désignation )
Est-il encore une innocence possible en art ?
Ecriture, dessin, peinture, volume, installation : une réserve de
comportements périmés ? ( dispositif, mon beau souci )
Ne nous arrangeons pas plutôt d’une sorte d’orgie depuis longtemps
déjà consommée ?

En attendant le Printemps-jusqu'au 08 Mars 2009

2009-01-14T10:47:00.000-08:00

La Galerie No Smoking présente une exposition d’ œuvres choisies dont l’éclectisme
fait le charme et la richesse de cette exposition. Les œuvres de tous ces artistes
ouvrent la voie de la réflexion et de l’imaginaire et favorisent l’émergence de notre
vision sur le monde.

Avec
Hervé Bohnert,
Pierre Fraenkel,
Moris Gontard,
Mano Simon,
Radek Slany,
Erwann Tirilly
et Mathieu Weemaels.

Ne cherchons pas de liens ou thématique particulière dans
cette exposition car il s’agit des artistes qui exposent en permanence à la galerie
et qui font partie de ceux qui sont le plus apprécié de notre public .
Nous pourrons d’autre part en retrouver certains pour des expositions
monographique au courant de l’année 2009.

Les œuvres du Mulhousien PIERRE FRAENKEL d’inspiration Pop-Art peintes
sur toile à la peinture glycérophtalique nous surprennent toujours par leur rendu
éclatant et leurs tons acidulés.

Avec ses paysages aquatiques, MORIS GONTARD entraîne non seulement l‘oeil
du spectateur mais tous les autres sens. Dans ses tableaux, on entend la musique,
on voit le mouvement .Une exposition est prévue en 2009

MANO SIMON,dans sa Franche-Comté natale recycle ses propres dessins qui
deviennent sculptures grâce à l’ajout astucieux de cerclages métalliques.

Artiste à Wroclaw en Pologne RADEK SLANY combine avec délectation la
technique de la gravure sur bois et l'Intaglio; il suscite des figures fantastiques
de centaures ou de figures humaines de très grands formats

HERVÉ BOHNERT est un artiste strasbourgeois qui retravaille à partir d’
anciennes photos et sculptures. Son thème principal: la mort et la vanité du
monde. Nous avons eu récemment le plaisir de le présenter à la foire de
Strasbourg

Le travail du jeune artiste Rennais ERWANN TIRILLY est une projection en peinture
de chair et sang, d'une certaine vision où la réalité physique d'être humain se vit comme une scène fermée contre le monde extérieur.

Le Bruxellois MATHIEU WEEMAELS travaille le pastel sec pour lui donner la
substance de la peinture hyperréaliste . Il présentera une série de peintures de
cabans accrochés à une patère et des paysages de cimes d’arbres diffusant une énergie calme, hors du temps.

Pour découvrir plus d‘informations sur ces artistes,
visitez le site www.galerie-nosmoking.com
ou venez pousser la porte de la galerie.
Je serai ravi de vous recevoir !

Galerie No Smoking

Directeur de la galerie : Bertrand Rhinn

Adresse :19 Rue Thiergarten - 67000 Strasbourg

tél : 03 88 32 60 83

Attention ! Nouveaux horaires d’exposition :
Ouvert du mardi au vendredi de 14 à 18 heures

et tous les matins et samedis sur rendez-vous.

Bertrand RHINN
Galerie no smoking-19 rue thiergarten-67000 Strasbourg
tél 03 88 32 60 83

Voeux 2009 de la galerie

2009-01-01T03:33:00.000-08:00

Le meilleur est dans la poêle pour 2009 !
Que cette année soit aussi surprenante que possible!

La galerie est ouverte du mercredi au samedi de 14 à 18h
et sur rendez vous tous les matins

visitez le site

START sur le stand C21

2008-11-09T13:32:00.000-08:00

A l'occasion de la 13 ème éditionde St'art (la foire d'art contemporain
de Strasbourg http://www.st-art.fr ),

Bertrand Rhinn
a le plaisir de vous inviter à découvrir sa sélection d'artistes
sur le stand C 21
avec
Hervé Bohnert
Benoit de Carpentier
Eric Herrmann
Géraldine Husson
Christian Miquel
Mano Simon
Tibo Streicher.

Vernissage au wacken le jeudi 20 novembre à 18 h
au parc des expositions de Strasbourg

Lors de cette 13ème édition, St-art mettra en lumière le patrimoine culturel et l'actualité
de la création des pays de l'Europe Centrale et de l'est. Elle accueillera également
des galeries et artistes provenant de toutes les régions de France, ainsi que son
public d'environ 28 000 visiteurs.

Exposition ouverte du 20 au 24 novembre

Informations

Adresse 7 place du Wacken BP 256 R7 FR 67007 STRASBOURG Cedex Plan d'accès Agrandir le p	Dates du 21 au 24 novembre 2008 : 21 novembre 11:00 - 21:00 22 novembre 11:00 - 20:00 23 novembre 11:00 - 20:00 24 novembre 11:00 - 19:00 Entrée 12 €, Tarif réduit 10 € (avant 13 heures)
Transports TRAM Ligne B, station Wacken VOITURE Autoroute A350, Sortie 1, Direction Wacken - Parc des Expositions	Vernissage Jeudi 20 novembre (sur i

Vu dans la presse:

STRASBOURG / Foire d'art contemporain

St'art positive !

La crise ! Quelle crise ? Avec son habituel plateau d'une centaine de galeries, la foire d'art contemporain de Strasbourg, qui ouvre ses portes aujourd'hui, espère bien passer entre les gouttes. Les 30 000 visiteurs attendus sauront-ils répondre à son optimisme ?

« Pour l'instant, les effets de la crise financière sur le marché de l'art sont contrastés. Les récentes foires et ventes aux enchères ont montré que les belles pièces continuaient à trouver preneurs. Là où il y a une baisse des affaires, c'est dans le second marché, celui des oeuvres d'intérêt moindre. Il faut donc privilégier la qualité. » Commissaire artistique de St'art, Olivier Billiard refuse de succomber à la sinistrose ambiante. Certains le verront en capitaine d'un bateau maintenant son cap, convaincu que les icebergs sont pour les autres. Les plus superstitieux penseront même que le chiffre 13 - celui de la treizième édition de la foire - n'engage pas à un optimisme démesuré.

«Les amateurs ne résistent jamais à une pièce qui engendre un coup de coeur»

« Quand les valeurs financières s'écroulent, c'est le moment d'investir dans l'art ! », réagit la galeriste Elizabeth Couturier, convaincue « qu'on est là sur le terrain de la passion et que les amateurs ne résistent jamais à une pièce qui engendre un coup de coeur ». Pour le Strasbourgeois Jean-Pierre Ritsch-Fisch, vieux routier du marché de l'art, « la période qui s'annonce n'est assurément pas encourageante, mais elle épargnera les professionnels qui ont su se spécialiser dans les différents registres de l'art contemporain. Pour les "généralistes", ce sera beaucoup plus dur... »
Reste qu'avec 94 galeries à l'affiche, St'art a su préserver son plateau artistique habituel - avec ses faiblesses comme ses heureuses surprises. « Il y a toujours une forte attente des exposants pour cette foire, portée notamment par sa dimension internationale puisque 40% des galeries viennent de l'étranger », commente Philippe Meder, responsable de St'art pour Strasbourg Événements, organisateur de la manifestation. On notera pourtant, signe des temps, que les budgets se sont un peu resserrés, la surface moyenne du stand passant de 38 à 34 m².

La carte
du one man show

Une foire attractive, malgré tout ? Pas pour les Allemands qui font encore piètre figure avec seulement trois galeries - moins que pour la Corée et ses quatre exposants ! -, l'outre-Rhin demeurant décidément une zone difficilement pénétrable pour une capitale alsacienne qu'on pourrait croire pourtant idéalement placée - quoiqu'avec l'apparition d'Art Karlsruhe, la donne est désormais changée...
En revanche, l'Espagne (5 exposants), la Belgique (7) ou l'Italie (8) restent assez fidèles à Strasbourg. Et la présence alsacienne connaît une embellie avec l'heureux retour des galeries Iffrig et Bamberger (lire ci-dessous) et la participation du jeune Steven Riff, dont les débuts à Strasbourg ont attiré l'attention.
Afin d'éviter les stands dits "épicerie", la foire incite les exposants à privilégier la formule du one man show, risquée commercialement mais qui témoigne d'un parti pris artistique plus affirmé. Une quinzaine d'entre eux s'y sont engagés. L'excellente galerie Claude Bernard, qui vient à Strasbourg pour la première fois - sans nul doute la très bonne surprise de cette édition 2008 -, montre ainsi de grands et beaux formats de Rebeyrolle. Prodromus, qui en quelques années est devenue l'un des repères attachants de la foire, met en avant l'univers sobre d'Olivier Fanget. Elisabeth Couturier défend les toiles du jeune Cameron Rudd, aussi à l'aise dans l'évocation sauvage de nos nuits urbaines que dans les plaisirs un rien impressionnistes de la plage...
Et puis c'est bien entendu au visiteur d'être curieux et attentif. Les gouaches et encres sur peaux de chèvres d'El Hadar peuvent satisfaire les amateurs d'un Art brut contemporain et magnifiquement coloré (chez Ritsch-Fisch), alors que Paca Sanchez crée de petits tableaux à la poésie délicate, en utilisant herbes, plantes ou graines de peupliers (« Un art écologique », plaisante sa galeriste Arlette Gimaray) tandis que la galerie bruxelloise DS défend une jeune artiste, Corinne De Battista, qui lie dans son travail le monde de l'enfance et de la mémoire, nourrissant sa peinture auprès d'une photographie familiale, naïve et stéréotypée, mais qui touchera le plus grand nombre.
Il y a, assurément, à St'art, moyen d'oublier la crise financière...

Serge Hartmann

Du 21 au 24 novembre, au parc des expositions du Wacken à Strasbourg. De 11 h à 21 h le 21 novembre, de 11 h à 20 h les 22 et 23 novembre, de 11 h à 19 h le 24 novembre. Entrée : 12 € - 10 € avant 13 h.

Édition du Ven 21 nov. 2008

En avant première de Start 2008

2008-10-27T12:57:00.000-07:00

A l'occasion de la 13 ème édition de St'art(la foire d'art contemporain de Strasbourg http://www.st-art.fr ), Bertrand Rhinn le directeur de la galerie a le plaisir de vous inviter
à découvrir sa sélection d'artistes en avant-première, à la galerie No Smoking
à partir du mercredi 12 et jusqu'au samedi 15 novembre.

Mini Vernissage
le jeudi 13 novembre à 18h

avec:
Hervé Bohnert
Eric Herrmann
Géraldine Husson
Christian Miquel
Mano Simon
Radek Slany
Tibo Streicher

Retrouvez toute l'info de la foire sur ce blog

Exposition d'ERWANN TIRILLY

2008-10-03T03:51:00.000-07:00

Exposition de Erwann Tirilly.

Distorsions, Vaste champ d'expérimentation, la figure humaine, est en proie à une véritable crise intérieur. L'artiste n'hésite pas à livrer le corps à d'extrêmes distorsions qui ne vont pas sans évoquer l'animalité du corps souffrant.

Bertrand RHINN directeur de la Galerie No Smoking, 19 Rue Thiergarten, Strasbourg. Du 3 au 31 octobre 2008. Vernissage Vendredi 3 octobre à 18 H.
ouvert du mercredi au samedi de 15à 19h et sur rendez-vous

Expo à la Galerie No Smoking
envoyé par StrasTv

la presse de l'exposition
Tirilly et ses icones

Tirilly et ses icônes

Le corps et ses désaccords, au coeur d'une peinture qui flirte avec la virtuosité sans y succomber : Erwann Tirilly est à l'affiche de No Smoking.

Erwan Tirilly : Voilà le corps, et voilà la peinture...

Peints au plus près, en petits formats, des globes oculaires veinés de sang et des bouches dépourvues de toute sensualité parce que réduites au spectacle cru de dents plantées dans des gencives. Ou encore une femme accroupie, nue, les seins pendants, le ventre marqué de plis disgracieux. Dans la mystique contemporaine du corps idéalisé, lisse et lumineux, Erwann Tirilly évolue totalement à contre-courant. Aucune volupté, mais une réalité sans concession de la chair, qui le rapproche d'un Lucian Freud, voir d'un Rembrandt - celui du Bœuf écorché, bien sûr...
Installé à Rennes, ce jeune artiste avait déjà été entr'aperçu chez No Smoking qui lui consacre, cette fois-ci, sa première exposition monographique à Strasbourg. Et sa peinture le mérite, qui s'appuie sur une vraie virtuosité à reproduire le réel, à laquelle Tirilly ne cède pourtant pas.
Loin de là ! Ses corps ou visages s'inscrivent dans des manipulations, des recouvrements, des ruptures et coulures, un vaste Meccano de la représentation humaine dont les derniers travaux offrent les versions les plus insoutenables - on y voit ainsi un adolescent au regard vide, comme énucléé, ou le visage recomposé, déformé à la façon d'un collage dadaïste. « J'aime faire vivre la chair, jouer avec le corps, le morceler. Fabriquer quelque chose... », confie Erwann Tirilly qui invoque dans ses références une rencontre improbable de l'icône médiévale et de Hans Bellmer ! Le sacré et sa transgression, en quelque sorte.
Il aime aussi et surtout jouer avec le propre langage de la peinture, explorant son potentiel illusionniste pour mieux le nier ensuite, soumettant ses «icônes» à d'étranges traitements. Un peu comme s'il nous murmurait : «Voilà le corps, et voilà la peinture...» Et notre regard n'en sort pas tout à fait indemne.

S.H.

Jusqu'au 31 octobre, chez No Smoking, 19 rue Thiergarten. Du mercredi au samedi, 15 h à 19 h.

© Dernières Nouvelles d'Alsace

Quelques photos du vernissage du 03 octobre 2008

Le dur combat entres galeristes lors de l'AAF de Paris

2008-06-17T09:33:00.000-07:00

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Exposition la jeune fille et la mort

2008-06-14T03:12:00.000-07:00

Hervé et Vanina la Jeune Fille et la Mort
Autour d'un thème couru de la Renaissance allemande, traité en léger décalage, Hervé Bohnert et Vanina Langer composent, chez No Smoking, une exposition assez fascinante. Terrifiante et drôle, sensuelle et macabre.

Hervé Bohnert et Vanina Langer. Photo DNA - Bernard Meyer.

On les avait quittés lors de l'exposition collective que consacrait en début d'année la galerie No Smoking à Matthias Grünewald et à une relecture contemporaine de son célèbre retable. Ils signaient alors une oeuvre commune d'une belle sensibilité. On les y retrouve réunis cette fois-ci sous le thème de La Jeune Fille et la Mort. Avec un regret : Hervé Bohnert et Vanina Langer se contentent ici de deux accrochages distincts.
On frôlerait la déception si, de part et d'autre, les univers n'étaient aussi fascinants. A commencer par celui d'Hervé Bohnert qui se réapproprie photos anciennes et sculptures en bois ou en marbre, généralement trouvées aux puces. La plupart, en leur état originel, mettent en scène la beauté féminine, la vie en sa pleine maturité, le bonheur du couple, de la maternité, de l'enfance.
Des représentations stéréotypées que l'artiste strasbourgeois soumet à un sort macabre, cherchant sous la plastique humaine ce squelette auquel nous serons tous réduits un jour - ce que dit justement ce thème de la Jeune Fille et la Mort. Une putréfaction des chairs qu'il fait dialoguer avec la plénitude même du corps : du visage sensuel d'une jeune femme, taillée dans le bois ou le marbre, il fait ainsi apparaître partiellement l'horrible rictus de la Camarde, quand il ne s'en va pas gratter la vieille photo d'un couple attendri par sa progéniture, transformant le poupon en vision de cauchemar.
Il y a du grotesque, de la dérision dans ce travail qui prend les accents de la tradition de la Danse macabre, où les figures de la Vie et de la Mort évoluent dans une folle farandole. « La Danse macabre ? Le thème m'a toujours fasciné », indique Hervé Bohnert, évoquant celle de Niklaus Manuel Deutsch à Berne.
Attitude réservée que contrebalance un sourire espiègle : comment cet artiste autodidacte de 40 ans, boulanger de son état, en vient-il à explorer avec ténacité ces images d'une mort saisissant le vivant à la gorge ? « C'est très cloisonné. Je suis à fond dedans quand j'y travaille. Et après je n'y pense plus... »
Pas de théorie mais beaucoup d'intuition. Et un solide réseau de collectionneurs qui s'intéresse à sa production. Dans l'esprit de Hervé Bohnert, elle se fonde nécessairement dans le détournement d'un objet prééxistant. « Ce qui m'intéresse, c'est ce décalage entre une première image et ce que je vais y chercher derrière. J'ai l'impression de leur donner une seconde vie. En tout cas un nouveau sens. » Jusqu'au Christ en croix dont il rappelle, en « une gentille provocation », l'humaine condition par de sombres cavités abdominales, un visage d'épouvante ou en le débarrassant de son périzonium...
Atmosphère à l'onirisme plus trouble avec Vanina Langer qui présente ici quelques livres d'artistes et une série de dessins inscrits dans une démarche proche de l'autofiction. « Mon travail trouve sa source dans une réalité autobiographique mais s'en écarte ensuite, autorisant de libres interprétations », dit-elle.
De formats et de formes variables - l'un d'entre eux se veut papillon -, ses livres cumulent préciosité et inachevé, fragilité et rusticité, alternent mat et brillant, figuration et abstraction, articulent fragments de dessins et éléments de matière. Une invitation à une rêverie par le regard autant que par le toucher, une plongée dans une intimité qui se montre mais ne se dévoile pas, disposant çà et là quelques pistes, faites de rencontres et de visages, mais ménageant bien plus encore des zones d'ombre qui rendent impossible une interprétation sûre. Un travail insaisissable et pourtant à l'évidente sensualité.
Les seize dessins qu'elle accroche à No Smoking participent de « la même pensée qui vagabonde ». Encre, gouache, collage, pastel, acrylique, couture et autres techniques s'accumulent pour un résultat sans continuité apparente. Si ce n'est celui d'une histoire tragique où la femme et son corps seraient le principal enjeu. La jeune artiste en brosse avec violence le cadre profondément surréaliste - attaché au rêve, à l'inconscient, à une vérité magique, aux failles intérieures comme aux agressions extérieures.
Chez Vanina Langer, s'il y a représentation de la Jeune Fille et la Mort, c'est parce que la première porte en elle la seconde. Cela n'est pas nouveau en soi. Mais les images nées de ce traumatisme n'appartiennent qu'à elle.

Serge Hartmann

Jusqu'au 12 juillet, chez No Smoking, 19 rue Thiergarten, à Strasbourg. Du mercredi au samedi, 15 h à 19 h. 03 88 32 60 83.

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2008-05-10T07:39:00.000-07:00

STRASBOURG - Gravures par trois !

Pierre Gangloff chez No Smoking.

STRASBOURG

Gravures par trois !

Une même technique mais trois univers différents. La galerie No Smoking met en résonance les monotypes de deux artistes qu'on ne présente plus, Pierre Gangloff et Christophe Wehrung. Le premier, attaché autant à l'histoire qu'à une certaine mémoire de l'art, s'inspire ici des paysages de Claude le Lorrain qu'il revisite avec fraîcheur. Il y a de la vie, un travail de la lumière qui rend hommage au maître ancien tout en cheminant sur un terrain propre : mouvement, ellipse, jeu de pistes, citation.
Christophe Wehrung traite du corps féminin. Sa vision en est dramatique et sculpturale, dans un contraste rouge/noir basique qui n'échappe pas à une certaine pesanteur.
Une jeune artiste polonaise, Viola Tycz investit d'autres territoires. Une vision désenchantée de notre époque contemporaine, toute en tensions. Pas très joyeux, assez pessimiste même, mais percutant.

S.H.

Jusqu'au 24 mai, 19 rue Thiergarten. Du mercredi au samedi, 15 h à 19 h.

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Photos du vernissage

2008-03-23T08:08:00.001-07:00

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panoramique de l'exposition Grunewald

2008-01-18T01:34:00.000-08:00

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presse de l'exposition "correspondances avec Matthias Grunewald"

2008-01-18T01:18:00.000-08:00

Hommages contemporains à Grünewald
Matthias revisité
Cinq cents ans après sa réalisation, et à l'initiative de la galerie strasbourgeoise No Smoking, dix-huit artistes établissent de contemporaines correspondances avec le retable d'Issenheim. Un hommage à Matthias Grünewald partiellement repris en février à Colmar.

Jean-Rodolphe Loth. Vanina Langer. Élisabeth Fréring. Photos DNA - Bernard Meyer.

Benoît Decque.

Pierre Fraenkel.

A l'origine de l'exposition, il y a d'abord ce constat élémentaire : « Une oeuvre atteint le stade du chef-d'oeuvre lorsque sa force poétique dépasse le seul siècle pour lequel elle a été réalisée, lorsqu'elle conserve intacte sa capacité à nous émouvoir par-delà le temps. Le retable d'Issenheim, cinq cents ans après sa réalisation, est toujours aussi puissant, aussi émouvant, ce qui prouve bien la modernité, sinon l'intemporalité, de Grünewald. »
Pour Bertrand Rhinn, responsable de la galerie associative No Smoking, il apparaissait opportun, alors que le musée d'Unterlinden de Colmar et la Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe explorent, cet hiver, l'oeuvre de Grünewald, de solliciter des artistes contemporains afin qu'ils livrent leur propre lecture de son célèbre retable.

Une tentation luciférienne
néo-pop assez sexy

Dix-huit plasticiens de la région mais aussi de Paris et d'ailleurs ont donc entrepris de revisiter ce théâtre halluciné où, entre Passion et Résurrection, portés par la figure mystique du Christ, s'opposent le spectacle de la souffrance humaine et l'affirmation d'un espoir qui transcende la condition humaine.
Si la diversité des panneaux du retable offre un large champ d'interprétations - Annonciation, Nativité, Tentation de saint-Antoine... -, on constate en parcourant ces Correspondances avec Grünewald combien la Crucifixion et le corps tourmenté du Christ s'imposent à l'esprit dès lors que s'organise une confrontation à l'artiste rhénan. On se souvient que la même image avait été placée au coeur des Variations proposées à l'été 1993 par Sylvie Lecoq-Ramond, alors conservatrice en chef d'Unterlinden, lorsqu'elle y sollicita les déclinaisons grünewaldiennes déployées tout au long du XXe siècle.
Il est donc beaucoup question de souffrance dans cette exposition, certes plus modeste. Une installation de Vanina Langer et Hervé Bonhert, l'une des propositions les plus intéressantes d'une affiche de bonne tenue générale, rappelle le contexte historique dans lequel le retable a vu le jour : celui du Mal des Ardents que soignaient les Antonins d'Issenheim, commanditaires de l'oeuvre de Grünewald. Un reliquaire partiellement rempli de ce seigle dont un champignon parasite provoquait la terrible maladie est posé sur un autel auquel sont suspendus, tels des ex-voto, des doigts de cire, certains teintés d'un vert mortifère : « Un rappel du célèbre doigt de saint Jean-Baptiste dans la Crucifixion, mais aussi une évocation des terribles gangrènes et amputations liées au Mal des Ardents », indique la jeune artiste strasbourgeoise. L'ensemble est dominé par un squelette en croix, taillé dans le bois d'un Christ crucifié, « comme si toutes ses chairs étaient tombées ». La mort mise à nu.
C'est aussi cette souffrance que met en scène Jean-Pierre Bertozzi, à travers la brutalité de trois serre-joints fixés sur une toile de couleur bleu nuit, suggérant le supplice du Christ et des deux larrons. « La Crucifixion reste l'image la plus forte du retable, même si quelques autres sont aussi très impressionnantes », réagit l'artiste parisien.

Couleur et lumière,
sacré et profane

De même, Marcel Devime se saisit, entre autres, des symboles de la Passion - tenailles, clous, corde, éponge... -, la couronne d'épines y apparaissant sous forme d'un rouleau de barbelés, « images symboliques de récents supplices collectifs ». Sensibilité plus décalée avec Pierre Fraenkel qui livre un Christ soumis à une tentation luciférienne néo-pop assez sexy et iconoclaste.
Certes, la réinterprétation contemporaine du retable se prête aux citations explicitement grünewaldiennes : Élisabeth Fréring inscrit ainsi l'Agneau Pascal de la Crucifixion dans un fond monochrome où alternent l'ombre et la lumière mais d'où émergent aussi les ronces d'une couronne d'épines à venir. Benoît Decque reproduit dans un scrupuleux dessin mis aux carreaux la Nativité et le Concert des Anges - on y retrouve sa façon de mettre un geste artistique à l'épreuve du temps. Pierre Gangloff signe de magnifiques monotypes nourris de l'iconographie du retable...
Mais d'autres artistes arpentent des territoires aux topographies moins évidentes, plus décalées au regard de l'oeuvre de Grünewald. Les sept dernières paroles du Christ impriment, chez Jean-Rodolphe Loth, une réflexion un peu ésotérique sur la couleur et la lumière, le sacré et le temporel. Sereine, d'une grande puissance poétique sans être dépourvue d'un certain effet dramatique, la proposition de Roger Dale capte aussi le regard : un triptyque y livre l'ample paysage de la plaine d'Alsace à hauteur d'Issenheim, dans une tonalité très intemporelle. Peut-être Grünewald en a-t-il eu la vision à la fois grave et enchantée.

Serge Hartmann

LE CASTING

Les Correspondances avec Grünewald mobilisent, à la galerie No Smoking, des oeuvres de Roger Dale, Vanina Langer et Hervé Bonhert, Dario Lanzetta, Pierre Gangloff, Pierre Fraenkel, Elisabeth Fréring, Christophe Wehrung, Jean-Pierre Bertozzi, Jean-Rodolphe Loth, Christoff Baron, Christian Miquel, Marcel Devime, Erwann Tirilly, Moris Gontard, Benoît Decque, Pascal Rennié, Manon.

Jusqu'au 2 février, chez No Smoking, 19 rue Thiergarten, à Strasbourg. Du mercredi au samedi, 15 h à 19 h. Puis à Colmar, du 5 au 23 février, à la Manufacture.

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Quelques photos de St'art 2007

2007-12-26T04:00:00.001-08:00

Presse de ST-ART 2007

2007-12-20T01:57:00.000-08:00

Quatre jours pour l'art contemporain ( N°L46 - Lundi 19 Novembre 2007 / Région ): Après l'Allemagne et l'Italie, le Benelux et l'Espagne - celle-ci avec neuf galeries annoncées - sont les pays invités d'une manifestation artistique qui entend défendre sa singularité européenne ... « Nous sommes, avec un tiers de galeries étrangères, l'une des foires où la présence internationale est la plus forte », constate Olivier Billiard, directeur artistique de St'art ... Sept galeries ont ainsi été retenues, parmi lesquelles deux strasbourgeoises : No Smoking et Nogatsch Fine Art ...
l'article complet
St'art en 100 facettes ( N°274 - Vendredi 23 Novembre 2007 / Culture et loisirs ): Et avec 39% de galeries étrangères, la foire d'art contemporain de Strasbourg se sent le droit d'en revendiquer le titre ... Après l'Allemagne et l'Italie, ce sont l'Espagne (neuf galeries dont la savoureuse 3 Punts Galeria avec notamment les figures en résines de Samuel Salcedo) et le Benelux (dix exposants) qui sont à l'honneur ... Mais limitées à sept participants - dont les Strasbourgeois No Smoking et Nogatsch Fine Art -, éparpillés dans la masse des exposants, l'effort semble encore bien timide ...
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Une synergie d'intérêts artistiques ( N°275 - Samedi 24 Novembre 2007 / Strasbourg ): Guidat de Cannes expose sous le nom d'Aktuaryus ... No Smoking, autre « New Profile », offre un large choix d'oeuvres ... Pierre Fraenkel de Mulhouse peint une série de portraits féminins imaginaires dans l'esprit pop'art ...
l'article complet

presse de l'exposition Christian Miquel

2007-12-20T01:49:00.000-08:00

Christian Miquel le singulier

Entre chamanisme amérindien et ambiance à la Jules Verne, Christian Miquel réalise des

sculptures qui n'ont d'autre but que de faire voyager.

		Christian Miquel. Photo DNA - Bernard Meyer

Il récupère de tout. Capsules de bière, vieux transistors, ossements d'animaux, clous antédiluviens, harnachements patinés par le temps, morceaux de bois aux formes étranges, pièces métalliques de machines d'un autre siècle. « Je fais mon marché dans les déchèteries, chez les brocanteurs, dans la rue... », confie Christian Miquel qui reconnaît à son travail une bonne part d'aléatoire. « Il n'y a aucun dessin préalable. Tout est fonction de ce que je trouve, de l'inspiration du moment. »
Publicitaire à la retraite, il s'est mis à créer ses sculptures il y a une dizaine d'années, après avoir pratiqué un temps le dessin et la peinture. « L'envie de passer aux trois dimensions », indique encore cet autodidacte, établi à Bischheim, qui ne revendique dans ses réalisations qu'un seul objectif : « Provoquer un instant magique qui porte le regard vers de nouveaux horizons. »
D'étranges machines, des vaisseaux et des architectures qu'on dirait sortis tout droit des imaginations croisées de Jules Verne et Philippe Druillet mais aussi des masques issus de civilisations primitives improbables - « Le chamanisme est un thème qui m'intéresse beaucoup et ouvre une porte hors de notre monde rationnel. » - ont ainsi pris position chez No Smoking.
« On ne cherche pas nécessairement à enfermer Miquel dans des catégories, même si celle de l'Art singulier peut venir à l'esprit. Mais il y a dans son travail une étrangeté qui attire l'attention et qu'on ne trouve que rarement ailleurs », observe Bertrand Rhinn, responsable de la galerie strasbourgeoise.
L'air de rien, au-delà de cette prédilection mélancolique pour la rouille et le déglingué, Christian Miquel s'amuse parfois aussi à interroger notre monde. S'invite ainsi, à son théâtre fantastique, le fanatisme religieux avec son inquiétant Grand Inquisiteur ou encore les OGM sur le compte desquels il se garde bien de donner un avis définitif : sa sculpture évoque des manipulations peu encourageantes, mais une vie végétale y subsiste tout de même - « Une petite note d'optimisme... ».

S.H.

Jusqu'au 4 novembre, chez No Smoking, 10 rue Thiergarten. Du mercredi au samedi, 15 h à 19 h. 03 88 32 60 83.

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Presse de l'exposition Corps - accord

2007-12-20T01:42:00.001-08:00

Corps et accord Le corps en sept versions. Dans une réalité crue ou traité avec distance. Pudique ou érotisé. En photo ou en peinture. No Smoking présente des travaux de sept plasticiens aux univers formels contrastés.

Erwan Tirilly.

STRASBOURG

Des artistes pour certains bien connus dans la région. A l'instar de Christophe Wehrung dont les trois grands portraits possèdent une extraordinaire présence - le peintre, dans une touche brutale, une efficacité du clair-obscur, va à l'essentiel. Sombre, tragique : une des plus belles propositions de l'exposition. Avec celle du Breton Erwan Tirilly, qui frôle parfois le malaise - gros plans sur des yeux injectés de sang ou des gencives aux dents pas très nettes - mais rappelle aussi que le corps s'incarne d'abord dans la chair et le sang. Quand il ne s'égare pas dans sa propre virtuosité technique, proche du réalisme photographique, Tirilly impressionne.
Le regard de la jeune photographe strasbourgeoise Xi Wang révèle une poésie plus distante du corps, toute en lignes et en plis. Plus ambiguë, assez érotisée même. Sensuelle, assurément, avec ses impressions sur tissus qui évoquent la douceur de la peau. Érotisme ? Daniel Lutz investit le terrain de façon plus frontale - très (trop ? ) proche d'un Saudek, d'un Witkin, d'un Bellmer.
Au bord d'une mystique baroque déjantée qui emporte des corps christiques ou sataniques, on ne sait plus très bien - et peut-être l'artiste lui non plus -, les photos numériques de Dario Lanzetta attirent l'attention. Sans nécessairement convaincre. Tout comme Frédérique Clément qui chorégraphie un corps féminin devenu flamme virevoltante .
Petite découverte attachante de No Smoking : les peintures du peintre britannique Shaun James Nielsen. Dans une économie de couleurs, un dessin sommaire, des corps que traversent solitude et mélancolie. Pourquoi pas une expo personnelle pour en connaître un peu plus à son sujet ? S.H.
Jusqu'au 2 juin, chez No Smoking, 19 rue Thiergarten. Du mercredi au samedi, 15 h à 19 h. 03 88 32 60 83.

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Article de presse Laurence Nyx à la galerie no smoking

2007-12-20T01:25:00.000-08:00

Page du site
http://galerie-nosmoking.com/pages/presse/presse_nyx.html

Paysages de verre

Inscrite dans le parcours de Strasbourg Capitale du verre, l'artiste bretonne Laurence Nyx installe à la galerie No Smoking des fragments de paysages à l'irréelle beauté.
La pénombre invite au silence. Quelques rayons de lumière dessinent les contours de ce qui s'apparente à la représentation mentale d'un paysage. Au centre, un bassin rempli d'eau dans lequel se réfléchit un alignement en suspension d'une vingtaine de feuilles de capucines en verre - par ordre croissant, de la plus petite à la plus grande. A côté, cinq récipients transparents posés à même le sol, eux aussi pleins d'eau : chacun d'entre eux contient une feuille en verre, à la découpe plus ou moins accentuée. La matière blanchâtre, cristalline, rappelle les croûtes de glace qui résistent encore au dégel. Plus loin, un papillon démesuré déploie ses ailes. « L'élément animal nécessaire dans un travail qui se fonde sur le paysage et le végétal », indique Laurence Nyx, sensible « au "tout" que forme le vivant ».

Une pure poésie visuelle
Formée à la fac d'arts plastiques de Rennes, où elle vit et travaille - « Du moins dans un village situé à côté... » -, l'artiste utilise le verre depuis des années mais ne se considère nullement comme artiste verrier. « Je n'en ai pas la prétention technique. Je suis venue au verre par intérêt pour la pratique du moulage, de l'empreinte. Dans cette approche, la pâte de verre est particulièrement adaptée. Et puis je la vitrifie afin de lui donner de l'opacité, une présence, ce que les artistes verriers apprécient peu puisqu'ils préfèrent préserver la transparence du matériau. »
Dans son Ciel renversé, titre générique des pièces présentées chez No Smoking, c'est la réalité de paysages, de traces végétales, qu'elle se réapproprie pour créer des images étranges, tranquilles, qui semblent figer le temps. Une poésie de l'intime et du fragile. De l'écoute et du regard. L'une permettra de percevoir le son inversé d'une vague - « On dirait le vent... » -, l'autre de s'enchanter des effets de scintillements que l'eau du bassin projette au plafond quand une main désoeuvrée en taquine la surface.
Le travail de Laurence Nyx puise donc à la source du réel, celle de la nature auquel elle rend sans nul doute hommage. Mais elle entraîne le visiteur sur les chemins oniriques d'une pure poésie visuelle. Une belle proposition de Strasbourg Capitale du verre.

Serge Hartmann

Jusqu'au 15 décembre chez No Smoking, 19 rue Thiergarten à Strasbourg. Du mercredi au samedi, 15 h à 19 h. Tél: 03 88 32 60 83

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dans la presse à propos de la foire St-art

2006-12-06T04:02:00.000-08:00

Invitation START 2006

2006-12-06T03:53:00.000-08:00

La galerie no smoking

a le plaisir de vous inviter à l'exposition

de ses artistes lors de la 11 eme foire d'art de Strasbourg

ST-ART 2006

du 23 au 27 Novembre 2006 au Waken hall 20

Retrouvez nos artistes sur le stand A32 en face du restaurant.

voir le petit reportage sur la foire?

L'exposition "Bestiaire contemporain"

sera fermée pendant la durée de la foire.

Galerie No Smoking

(au fond de la cour à droite)

19 rue thiergarten

67000 Strasbourg

Tél .03 69 57 00 66

Annonce Reflet DNA

2006-10-01T04:12:00.000-07:00

Expositions

Le verre à No Smoking.

STRASBOURG

Uni-verre

Sept artistes issus des Arts Déco confrontent leur passion pour le verre. Jusqu'au 17 octobre, chez No Smoking. 03 88 32 60 83.

ILS ARRIVENT-------------- JE LES AI VUS!

2006-03-24T05:51:00.000-08:00

ce ne sont pas des
envahisseurs ce sont
les Firmins
ILS débarquent à la galerie
Cette fois c'est définitif:

retrouvez la bande annonce sur :http://www.galerie-nosmoking.com/pages/projets.html

ECHOS

Pyamootoo à Strasbourg. L'auteur et cinéaste mauricien Barleen Pyamootoo sera à Strasbourg le samedi 1er avril, à l'occasion de la réédition de son roman Bénarès, paru aux éditions de l'Olivier, et de la sortie nationale le 29 mars du film qu'il en a lui-même adapté. Projection jeudi 30 mars (20h15) au cinéma Star, et rencontre au Forum de la Fnac Strasbourg samedi 1er avril en fin d'après-midi.
Au Star, rue du Jeu-des-Enfants à Strasbourg. 03 88 32 67 77.
Les Firmins. La galerie strasbourgeoise No Smoking fait découvrir, à partir du 31 mars, Les Firmins, cinq courts films d'animation d'une série qui devrait en comporter six, et qui met en scène de petits personnages originaux confrontés à un univers décalé. Les réalisateurs en sont Bruno Rhinn et Hervé Marchal, créateurs de la série, ainsi que Brita Malice, créatrice du concept son, et Camille Carpentier, auteur de Le Parc, la dernière production des Firmins. Le projet Firmins a remporté le prix d'encouragement de la Fondation Alsace en 2004, et a été parrainé par le petit-fils d'Emile Cohl, l'un des inventeurs historiques du dessin animé. Vernissage à la galerie vendredi 31 mars (18h), et rencontre avec les réalisateurs samedi 1er avril.
A la galerie No Smoking, 19 rue Thiergarten à Strasbourg. 03 69 57 00 66 ou 06 83 75 00 10.

La Presse de l'exposition d'Erick Derac

2006-03-18T01:44:00.000-08:00

La Presse de l'exposition d'Erick Derac

Strasbourg
Les paysages d'Erick Derac

Paysage recomposé.

Ses outils sont autant ceux du photographe que du chirurgien. Erick Derac travaille au scalpel des ektachromes sur lesquels il a fixé auparavant d'austères vues urbaines mais aussi d'agrestes frondaisons. Pas de parti pris dans son rapport au paysage. « Je photographie mon environnement immédiat. Je vis à Paris, c'est donc forcément un univers urbain qui s'offre à moi. Quant aux arbres, ils se sont imposés lors d'un séjour en Normandie », explique le jeune photographe.
Naturels ou urbains, ses paysages ne constituent qu'un élément de base sur lequel se greffent d'étranges formes organiques, le résultat de grattages divers, « de toute une cuisine » qui transforme la pellicule photographique en lamelle de biologiste. Ses Paysages recomposés, ainsi qu'il les a intitulés, participent d'un curieux jeu du hasard, celui de la vie peut-être, qui infiltre l'image, la parasite, la colore - importance de ces couleurs saturées, électriques, séduisantes et vénéneuses.
Cette réalité décalée, où se rejoignent univers familiers et folles proliférations formelles, ne résume pas à elle seule la pratique artistique de Derac. Se définissant comme «un photographe faisant de la peinture», faut-il s'étonner qu'il présente aussi de petits formats peints ? Des architectures géométriques, à la rigueur proche du néo-plasticisme, mais dont la facture peu soignée témoigne encore de ce sens élémentaire du jeu, d'hypothèses plastiques jamais achevées, selon le principe de la série. La recomposition, toujours recommencée.

S.H.

Jusqu'au 15 avril, chez No Smoking, 19 rue Thiergarten, à Strasbourg. Du mercredi au samedi, 15 h à 19 h. 03 69 57 00 66.

2006-03-18T01:30:00.000-08:00

Visite d'Atelier.

en 2005 pour rencontrer Viola Tycs

2006-03-16T06:16:00.000-08:00

Ania Specylak

Voici quelques une de ses dernieres pièces...

Et pour finir son atelier...

_____________________________________________________________________

Notre nouvelle affiche des artistes
en permanence à la galerie.

les FIRMINS arrivent à la galerie

2006-03-02T05:38:00.000-08:00

exposition Derac en Mars

2006-03-02T05:15:00.000-08:00

La galerie no smoking

a le plaisir de vous inviter à l'exposition :

[Paysages recomposés]

de

Erick Derac

Découvert à st'art 2002 et présenté à l'exposition "chroniques urbaines "en septembre 2003,

Erick Derac n'est pas inconnu du public strasbourgeois.

Ses étranges photographies, paysages déconstruits et recomposés, n'ont de cesse de questionner le regard

par un jeu vivifiant et coloré d'accumulations-superpositions et transparences.

Le travail d'Erick Derac s'apparente plus à l'univers de la peinture qu'à celui de la photographie bien qu'il en utilise indéniablement les ressources .

«Erick Derac occupe parmi les jeunes artistes qui s’intéressent aujourd’hui au paysage urbain une place originale. À l’heure où les expériences de recréation de l’espace passent par des procédures numériques savantes qui tendent souvent à dissimuler les traces du travail, il se distingue au contraire par des montages plastiques dont les «sutures» et la matière sont visibles. Sa pratique chirurgicale de la photographie met à jour une réflexion sur l’espace, sur la façon de le représenter en deux dimensions, sur la perspective.»
Gabriel Bauret

Le vernissage aura lieu le vendredi 10 mars 2006
à partir de 18 heures, en présence de l' artiste.

L'exposition sera ouverte au public du 10 mars au 15 avril 2006

du mercredi au samedi de 15 à 19 h, ainsi

que sur rendez-vous.

Galerie No Smoking

19 rue thiergarten

67000 Strasbourg

Tél .03 69 57 00 66 et le 06 83 75 00 10.

A première vue, ce que nous donne à voir Erick Derac sont des photographies en couleur de paysages qui semblent tout droit tirés d'agrandissements numériques. Des interférences - presque des protubérances - de toutes sortes viennent perturber l'image que l'on pourrait qualifier d'originelle.

Il ne s'agit pas de tirages numériques. Toutes les images sont manipulées au laboratoire, sans la moindre intervention digitale, comme ultime ambiguïté.

Le travail d'Erick Derac porte en fait sur une certaine forme de recomposition du paysage qu'il qualifie de corrigé, de nouveau ou qu'il considère comme en chantier. La notation topographique renvoie à des questions d'échelle et d'étalonnage, à des bouleversements de perspective, bref à une recréation complète du paysage.

Autre paradoxe : l'artiste déconstruit ses images non par fragmentation territoriale, mais par recomposition et superposition d'éléments qui lui sont étrangers. La déconstruction s'opère par accumulations, par glissements de plans, jouant de façon déséquilibrée entre transparence et occultation, entre parasitage et intégration.

Les mêmes effets confrontatoires se retrouvent dans les quelques vidéos présentées dans l'exposition. Les séquences se succèdent sur un mode similaire, à la fois saccadé et harmonieux, troublant, dans un tout autre registre, la perception habituelle que peut se faire le spectateur d'une vidéo de paysage.

Bernard Marcelis, dans artpress n° 300

presse de l'exposition à[quatre mains]-avec Tibo Streicher

2006-02-27T08:53:00.000-08:00

Le monde comme atelier

Tibo Streicher, le monde pour atelier

Installé désormais dans les Cévennes, il signe une dernière exposition à Strasbourg.
Avant de faire un tour du monde, financé en partie par ses collec- tionneurs.

Tibo Streicher. Photo DNA - Laurent Réa.

Deux ans pour parcourir, seul, les cinq continents. « Mais s'il faut trois ans, ce sera trois ans... » Le temps ne lui manque pas. A 25 ans, Tibo Streicher peut encore se permettre quelques souplesses de calendrier. Il ne sait d'ailleurs pas encore très bien s'il partira en mars ou en avril. Et s'il attaquera son tour du monde par l'Afrique ou par l'Asie. Une chose est assurée : il partira. Barbe et chevelure de pâtre grec, Tibo Streicher a la tête de celui qui, après s'être un peu lassé de la vie trépidante de la ville, a choisi l'isolement dans un village des Cévennes. Non pas pour y faire pousser des chèvres dans un lointain remake du retour à la nature post-soixante-huitard, mais pour y poursuivre ses recherches picturales. « Là-bas, tu n'as pas le choix : tu bosses... », dit-il, en évoquant ses années strasbourgeoises « où il ne se passait pas deux soirs sans que j'aille au ciné, au théâtre ou au concert ».

Et puis l'isolement est relatif. Sa maison se trouve intégrée au site du Centre artistique Roy Hart.« C'est très cosmopolite. Des gens viennent du monde entier pour animer ou suivre des stages sur la voix. Tout en étant dans mon trou, j'ai une ouverture sur l'extérieur. »
Une trajectoire longtemps marquée par l'incertitude, quant au cap à suivre. Originaire de Lapoutroie, Tibo débarque à Strasbourg à 18 ans, réussit le concours d'entrée aux Arts Décoratifs, mais quitte l'école au bout de six mois. « Je ne savais pas encore bien ce que je voulais faire. Le théâtre, le chant, la scène d'une façon générale, m'attiraient beaucoup. Mais la peinture aussi... »

C'est finalement la logique économique qui l'a porté à privilégier la peinture : « J'ai montré mon travail dans des foires, puis en galeries. Il me permet de vivre. Depuis, quelques collectionneurs me suivent, à Paris, Strasbourg, Reims, Bordeaux... » Le suivent ? Au sens propre et figuré. Une cinquantaine d'entre eux ont accepté de financer partiellement son tour du monde. Rien de faramineux : contre 240 € chacun, - somme pouvant être mensualisée à 10 € par mois -, ils recevront, « du bout du monde », dix oeuvres originales. « Des dessins, des aquarelles, des montages photos, ce que je pourrai faire sur place, en fonction des moyens, de l'humeur du moment. »

L'effet de surprise, l'écho d'un ailleurs toujours renouvelé au gré des envois, le voyage par substitution, ou tout simplement l'intérêt porté à son travail, dont cet itinéraire vagabond constitue une nouvelle étape : « Je rencontre dans ce projet tout un panel de motivations », constate Tibo. Qui a baptisé cette opération Libre point. « Un point qui se promène sur la carte du monde... »

Et qui s'est arrêté pour un court temps à la galerie No Smoking à Strasbourg, où il montre ses derniers travaux - les plus récents se révélant les plus convaincants. Sur une toile rendue photosensible, recouvre ensuite avec de la peinture à l'huile et des pigments. En résultent une distance, une irréalité, avec des lieux dont la présence physique est, de fait, particulièrement rude, tout en se révélant onirique. « Un quai de gare, au-delà de sa banalité, c'est déjà l'appel du voyage », considère Tibo. Ces lignes de rails fuyant vers un horizon sans fin, aux couleurs parfois délavées, parfois brillantes dans la superposition des glacis, portent en elles de somptueuses promesses. Dans le regard de Tibo défilent déjà le Gange, la Cordillère des Andes, le Sahara, la Mongolie, le Pays Dogon...

Serge Hartmann

Jusqu'au 18 février chez No Smoking, 19 rue Thiergarten, à Strasbourg. Du mercredi au samedi, 15 h à 19 h.

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En septembre avec Marie Odile Biry Fétique

Exposition monographique d' Edwige Fouvry

GALERIE OUVERTE-Ateliers d'artistes Strasbourg

Derniers jours pour découvrir l'expo de Gopal DAGNOGO

Les songes de Gopal Dagnogo - DNA

Songes et silences avec GOPAL DAGNOGO

EXPOSITION Arnaud Franc

Après vingt ans d'absence, Arnaud Franc revient à Strasbourg et présente, chez No Smoking, Le Temps du corps. Qui est, ici, celui de l'élégance surgie tant de la ligne que de la matière même de la peinture.

Serge Hartmann

Jusqu'au 13 février chez No Smoking, 19 rue Thiergarten, du mercredi au samedi, de 14 h à 19 h. 03 88 32 60 83.

Enfin la presse d'Artistes in Wonderland

"Aristes In Wonderland" avec Aurélie PIAU et Sabine Niedzwiedz

Artistes In Wonderland

Exposition d'une artiste chinoise-Inquiétante JIN Shu

Les peintures d'Emmanuelle Potier

Julie Carpentier

Galerie No Smoking, 19 rue Thiergarten, jusqu'au 6 juin, du mercredi au samedi, de 14 à 19h. 03 88 32 60 83

Vidéo de l'exposition la jeune fille et la mort

L'exposition est prolongée jusqu'au 7 mai 2009

Un film de Gala DITTMAR

voir ses vidéo ici

PRESSE de L'Exposition "la jeune fille et la mort"

18 artistes revisitent le theme de "La jeune fille et la mort "

En attendant le Printemps-jusqu'au 08 Mars 2009

Voeux 2009 de la galerie

START sur le stand C21

Informations

St'art positive !

La crise ! Quelle crise ? Avec son habituel plateau d'une centaine de galeries, la foire d'art contemporain de Strasbourg, qui ouvre ses portes aujourd'hui, espère bien passer entre les gouttes. Les 30 000 visiteurs attendus sauront-ils répondre à son optimisme ?

Serge Hartmann

Du 21 au 24 novembre, au parc des expositions du Wacken à Strasbourg. De 11 h à 21 h le 21 novembre, de 11 h à 20 h les 22 et 23 novembre, de 11 h à 19 h le 24 novembre. Entrée : 12 € - 10 € avant 13 h.

En avant première de Start 2008

Exposition d'ERWANN TIRILLY

Le dur combat entres galeristes lors de l'AAF de Paris

Exposition la jeune fille et la mort

Photos du vernissage

panoramique de l'exposition Grunewald

presse de l'exposition "correspondances avec Matthias Grunewald"

Quelques photos de St'art 2007

Presse de ST-ART 2007

presse de l'exposition Christian Miquel

Presse de l'exposition Corps - accord